Lắng nghe “Ô MAI”, sản phẩm âm nhạc mới nhất của Mona Evie, chúng ta bắt gặp những giai điệu ngọt ngào như vang lên từ ngăn tủ kí ức quen thuộc nhất, dẫn lối cho cảm giác “chua ngọt”, thổn thức của tuổi trẻ tìm về giữ ấm cho ngày đông.
Với những ai còn lạ lẫm, Mona Evie là một nhóm nhạc pop/hiphop thể nghiệm gồm các thành viên: Long Trần (Pilgrim Raid), Thiện Vương, Spencer Nguyễn (sweetsboi), guitarist của Rắn Cạp Đuôi Collective), Hà Anh (Aprxel), Gia Đức (Jaduk), Hồng Phước Văn (Lý Buồi Prod), và Nguyen Nguyen. Mona Evie bắt đầu được đón nhận qua MV “LÊN ĐỒN”, sản phẩm đã khẳng định phong cách làm nhạc đột phá, đầy tính thử nghiệm và sáng tạo của nhóm.
Ca khúc “Ô MAI” được pha trộn giữa Alternative R&B và House, đặt chúng ta ở một góc nhìn mới về Mona Evie Collective – dịu dàng, tươi sáng và dễ tiếp cận hơn so với phát hành “LÊN ĐỒN” trước đó của nhóm. Bắt đầu từ bản demo trên SoundClound của Hà Anh (Aprxel), Mona Evie đã quyết định dành thời gian dài trau trút và hoàn thiện nên ca khúc, ” Ô MAI mang một giai điệu ấm áp ngọt ngào, chúng mình nghĩ nó sẽ rất phù hợp để nghe trong tiết trời đang trở đông thế này ở Hà Nội.” – Mona Evie chia sẻ.
Nếu bạn quan tâm tìm hiểu những sản phẩm âm nhạc mới và mang tính đột phát tại Việt Nam, “Ô MAI” của Mona Evie Collective chắc chắn là cái tên bạn không hề muốn bỏ lỡ.
Ngày 28/10 vừa qua, nhà sản xuất và nghệ sĩ có trụ sở tại NYC, Yaeji, hợp tác với OHHYUK, người sáng lập ban nhạc indie HYUKOH có trụ sở tại Seoul, đã phát hành hai đĩa đơn và video âm nhạc mới: ’29’ và ‘Year to Year’. Được viết, thu âm và sản xuất bởi Yaeji và OHHYUK, đĩa đơn đã ra mắt chỉ trong 1 đêm với hai video âm nhạc mới: ‘Year to Year’ do đạo diễn người Seoul chỉ đạo, và cộng tác viên thường xuyên của Yaeji và OHHYUK, DQM và ’29’ của dada.service creative Nam Eunuk. Bản phát hành cũng sẽ có sẵn để đặt hàng trước trên vinyl, dự kiến phát hành vào ngày 11 tháng 2.
Bộ đôi ban đầu kết nối khi Yaeji tổ chức một tập hình ảnh đặc biệt của chương trình radio NTS hàng tháng của cô ấy, có sự tham gia của OHHYUK. Mặc dù đây là lần đầu tiên họ xuất hiện trước công chúng cùng nhau, nhưng cả hai đã bắt đầu làm việc trong studio và một mối quan hệ sáng tạo riêng biệt đã được hình thành. Khi họ phát triển sáng tạo, họ được truyền cảm hứng từ phong cách tương ứng của mình, để tạo ra một cặp đĩa đơn cân bằng hoàn hảo các giai điệu cảm âm đặc biệt của mỗi nghệ sĩ.
Những gì bắt đầu khi các bản phác thảo được trao đổi giữa Brooklyn và Seoul đã trở thành những bài hát hoàn chỉnh khi cặp đôi kết nối trong các buổi phòng thu ở Seoul vào đầu năm nay. Hãy xem sự hợp tác thú vị của họ trong hình ảnh cho ’29’.
’29’ nghe giống như Yaeji đứng trước một ban nhạc rock, như bạn có thể tưởng tượng thì nghe khá tuyệt, đặc trưng của OHHYUK, trống indie và guitar Bossa phù hợp với phong cách cổ điển. Ca khúc chủ yếu nói về sự kỳ quái của quá trình trưởng thành sẽ thấy Yaeji đọc rap theo phong cách xuất thần, những nét đặc biệt của cô ấy khi OHHYUK khua chiếc guitar Bossa đã toả sáng theo nhịp trống rộn ràng.
‘Year to year’ là nơi khả năng cảm thụ độc lập của OHHYUK thực sự tỏa sáng. Yaeji và OHHYUK khám phá ranh giới của nhạc pop, tạo nên một tác phẩm điện ảnh với tiếng trống lớn và âm trầm. Các vòng lặp trong bài hát này, đến từ một loạt các cách sắp xếp của sáo và guitar, là đại diện cho thời gian trôi qua nhanh như thế nào. Giọng hát của Yaeji và OHHYUK hòa quyện với nhau tạo nên một không gian vô cùng phong phú.
Đây là sản phẩm đầu tiên của Yaeji kể từ mixtape dài đầy đủ năm 2020 của cô ấy, ca khúc đầu tay WHAT WE DREW 우리 가 그려 왔던 và cô ấy đã phát hành một vài bài hát kể từ đó, bao gồm một bài hát ban đầu là ca khúc độc quyền trên CD và một đĩa đơn sử dụng một loạt video âm thanh cho trò chơi PAC-MAN, bải nhạc có tên PAC -TIVE. NME đã cho ‘WHAT WE DREW 우리 가 그려 왔던’ bốn sao khi phát hành, viết rằng nó “mở rộng và nâng cao âm thanh điện tử phức tạp của cô ấy”.
“Nó có thể cảm thấy một chút buồn vui lẫn lộn đặt trong bối cảnh hiện tại của sự tự cô lập trên toàn cầu nhưng một kỷ lục có kết cấu phong phú như thế này, và với trọng tâm là kết nối cộng đồng, khiến nó trở thành một thế giới chín muồi để khám phá trong những thời điểm thử như thế này.”
Trở về với lần hợp tác lần này trong ’29’ và ‘Year to year’
“Khi tôi cảm thấy hơi bế tắc và trì trệ với âm nhạc, Hyuk đã giúp tôi tìm lại niềm vui sáng tạo và đây là lần đầu tiên tôi hợp tác với một người chặt chẽ về âm nhạc như vậy,” Yaeji chia sẻ. “Chúng tôi đã dành nhiều ngày cùng nhau trong phòng thu ở Seoul, thậm chí đôi khi không làm nhạc mà chỉ trò chuyện về cách chúng tôi lớn lên và chia sẻ những bữa ăn cùng nhau, và sự hợp tác âm nhạc của chúng tôi nảy nở khi tình bạn của chúng tôi lớn lên.”
OHHYUK cũng chia sẻ về việc hợp tác với Yaeji:
Tôi và Yaeji lần đầu tiên bắt đầu gặp khó khăn khi Yaeji đến thăm Seoul vào mùa hè năm ngoái. Vào thời điểm đó, tôi đang trải qua một loại “cảm xúc của nhạc sĩ” và những rắc rối với Yaeji đóng vai trò như một chất xúc tác cho tôi và mang lại niềm vui làm việc với âm nhạc trở lại. Thông qua những khó khăn mà chúng tôi đã thực hiện nhiều bài hát, Yaeji sớm bắt đầu lên kế hoạch cho khuôn khổ cho ‘Year to year’ và tôi cũng làm như vậy cho ’29’. Đối với các video, chúng tôi đã làm việc với Đạo diễn DQM và Nam Eunuk, cả hai đều là bạn thân của chúng tôi. Chính sự yêu mến và ủng hộ của nhiều bạn bè đã khiến MV trở nên sống động. Tôi muốn gửi sự biết ơn vô bờ bến của tôi đến họ.
Đĩa đơn mới nhất của nghệ sĩ người Hungary gốc Việt Hiền: “Bloom”, là một bản nghe thanh tao và nhẹ nhàng. Đi hát từ năm 15 tuổi, Hiền đang dần tạo dựng được tên tuổi của mình bằng các đợt phát hành album, thậm chí là nhạc kịch. Kể từ đó, nghệ sĩ đã để lại một nhãn hiệu lớn và quê hương của cô là Việt Nam và Hungary, để chứng minh rằng cô có thể tự mình đạt được những bước tiến.
V2X đã có một buổi phỏng vấn với Hiền để tìm hiểu thêm về cô cũng như hành trình âm nhạc của nữ nghệ sĩ trẻ tài năng này:
Hi Hiền, đầu tiên hãy giới thiệu một tí về bạn nhé.
Chào các độc giả của V2X! Tên mình là Hiền, mình là một nghệ sĩ người Hungary gốc Việt Nam sống ở Brooklyn. Hiền hát, viết và sản xuất âm nhạc để phản ánh thế giới mà mình đang sống. Mình cũng làm những việc này để duy trì kết nối hoặc ngắt kết nối. Mình thích dành thời gian ở một mình, với những người lành mạnh, những chú mèo và thiên nhiên.
2. Bạn nói thêm về âm nhạc mà bạn đang theo đuổi nhé. Mình bị thu hút bởi các kết cấu ‘electronic’ có cảm giác ’organic’, và mình thích văn bản hóa lại âm nhạc truyền thống, việc này rất có ý nghĩa đối với mình. Mình đã theo dõi nhiều phân đoạn của văn hóa đại chúng, và ngôn ngữ của văn hóa giới trẻ trong âm nhạc.
3. Hiền bắt đầu sự nghiệp âm nhạc như thế nào? Mình đã học piano và violin trong 6 năm khi còn nhỏ. Sau đó, mình bắt đầu sự nghiệp âm nhạc ở tuổi 15. Mình tham gia một chương trình tài năng của Hungary, và được ký hợp đồng với một hãng thu âm. Nhiều năm sau, mình chuyển đến Mỹ để bắt đầu việc học tại Berklee. Hiền đã tốt nghiệp cách đây 2 năm với tấm bằng Sản xuất điện tử và Thiết kế âm thanh.
4. Nếu có 3 từ để nói về nét đặc trưng trong âm nhạc của mình, đó sẽ là gì ?
3 từ: ethereal, lush, soulful. Hiền không thực sự giỏi trong việc mô tả âm nhạc của mình bằng ngôn từ, vì vậy hãy để Hiền chỉ trích dẫn từ tiểu sử của mình. “Bản sắc âm hưởng của cô ấy đã bị ảnh hưởng bởi nhiều loại âm thanh khác nhau, từ electronic đến soul và phong cách phương Đông truyền thống.”
5. Hiền trong cuộc sống và trong âm nhạc giống/khác nhau như thế nào?
Hiền nghĩ mình có sự tương đồng nhiều hơn là khác biệt trong cuộc sống và trong âm nhạc. Có những lúc Hiền ước mình có thể tách biệt nhiều hơn với tính cách nghệ sĩ trong cuộc sống hàng ngày của mình, bởi vì nó có thể khiến Hiền khá là tổn hao tâm trí.
6. Một ngày của bạn sẽ thường trải qua ra sao?
Mình bắt đầu một ngày với một bữa ăn ngon, và sau đó bắt đầu một dự án thiết kế âm thanh hoặc nội dung âm nhạc của mình. Hiện tại, mình đang làm việc với tư cách là nhà soạn nhạc/ thiết kế âm thanh cho một công ty công nghệ thần kinh. Đối với âm nhạc của riêng Hiền, gần đây mình đang thực hiện các buổi ghi âm. Nếu có thời gian vào buổi tối, mình sẽ bắt chuyện với một người bạn hoặc gọi điện cho gia đình. Ngoài ra, mình cần rất nhiều sự âu yếm từ chú mèo Yoshi để có thể trải qua một ngày.
7. Có điều gì khiến bạn bị áp lực trong công việc hay cuộc sống của mình không? Bạn thường vượt qua những điều đó bằng cách nào?
Đôi khi mình thấy bản thân trở nên tham công tiếc việc mà quên mất việc chăm sóc sức khỏe của mình. Mình cần học cách bảo vệ ranh giới của mình nhiều hơn. Mình có những nghi thức yêu bản thân nho nhỏ của riêng mình, như tắm nước nóng, hoặc đi đến quán rượu một mình. Mình cũng tự chữa lành rất nhiều khi được ở trong tự nhiên.
8. Những sản phẩm của bạn lấy nguồn cảm hứng từ đâu?
Hiền lấy cảm hứng từ mọi thứ mình nhìn thấy, cảm nhận và trải nghiệm. Ví dụ: những điều nhỏ nhặt mà Hiền nhìn thấy hoặc nghĩ về khi đi dạo, những kỷ niệm vui vẻ, những khoảnh khắc đau khổ mà mình không thể xử lý bằng cách khác, những cuộc trò chuyện hay, nghệ thuật hay, v.v.
9. Bài hát nào có giá trị kỉ niệm đặc biệt nhất với Hiền?
Thành thật mà nói, “Bloom” là một bài rất đặc biệt. Hiền đã biểu diễn bài hát này cách đây 2 năm tại buổi hòa nhạc tốt nghiệp, đây là một cột mốc quan trọng trong cuộc đời mình. Đây là buổi biểu diễn cuối cùng của mình với tư cách là một sinh viên Berklee, và Hiền phải hát trước mặt mẹ mình, Justin Timberlake và Missy Elliott. Năm nay, Hiền đã quay một video âm nhạc cho bài hát này ở nơi thần tiên nhất mà Hiền đã đến ở Đắk Lắk.
10. Hãy chia sẻ thêm về “Bloom” nhé
Hiền đã viết bài hát này với người bạn Henry aka lstnght của mình, và bọn mình đã làm bài hát này ngay lần đầu tiên gặp nhau. Về phần lời, mình đã mời Ore Asonibare, một nhà thơ rất tài năng viết cùng mình. Hiền dành tặng bài hát này cho những cô gái trẻ đang tuổi mới lớn. Hiền muốn nó nắm bắt được những điều kỳ diệu mà các cô gái trẻ có. Vẻ đẹp của họ, sức mạnh của họ và những tiềm năng mà họ thường không khuyến khích khi nhìn thấy bản thân khi lớn lên.
11. Hãy kể vài điều Hiền ấn tượng trong lần về VN vừa rồi?
Thật tuyệt vời khi dành thời gian cho gia đình và làm việc với các người hoạt động nghệ thuật tại địa phương. Thật không may, covid đã thực sự gây khó khăn cho chúng ta, nhưng Hiền rất biết ơn vì tất cả đều khỏe mạnh và Hiền rất vui khi được gặp cộng đồng Yang Tao. Ngoài ra, điều khiến Hiền rất vui trong năm nay là mình đã tìm thấy cuộn băng cát-sét cũ của ông Hiền, trong đó ông ghi lại cảnh ông đang chơi cải lương. Mình nóng lòng muốn thử và viết nhạc mới với họ.
12. Bạn nghĩ sao về thị trường âm nhạc tại VN? Bạn có nghĩ sẽ phát triển âm nhạc của mình ở VN chứ?
Hiền nghĩ nghệ thuật đang nở rộ ở Việt Nam và Hiền rất vui khi thấy nó! Mình muốn trở lại Việt Nam vào năm sau và biểu diễn. Hy vọng rằng covid sẽ không trở nên tồi tệ hơn vào lúc đó!
13. Có nghệ sĩ VN nào mà bạn muốn kết hợp không?
Yassss!! Với Suboi và Nodey <3 Hiền rất ngưỡng mộ công việc của họ!
14. Cuối cùng, hãy chia sẻ về những dự định sắp tới của bạn nhé.
Hiền đang chuẩn bị quay một MV ở Hungary và thu âm EP tiếp theo của mình.
Cám ơn Hiền rất nhiều và thật sự V2X sẽ rất mong cơ hội được gặp Hiền sớm nhất vào lần tới Hiền về VN. Chúc Hiền và người thân thật nhiều sức khoẻ và có thêm nhiều sản phẩm thành công nữa nhé.
“Bloom” duy trì một giai điệu nhẹ nhàng, tạo cảm giác sảng khoái cho đôi tai, khi nó bắt đầu bằng tiếng piano lấp lánh đi kèm với nền mở và thoáng. Giọng hát của như thiên thần của Hiền, đặc biệt là khi phần điệp khúc đi vào với nhịp trống mạnh mẽ nhưng tinh tế.Video âm nhạc cũng rất khác biệt và ấm áp. Thay vì tập trung vào bản thân, video cho thấy một nhóm các cô gái trẻ của bộ tộc Việt Nam, người Mnong, lang thang và tận hưởng sự đồng hành của nhau và vẻ đẹp của Việt Nam.
Đĩa đơn nằm trong EP mùa thu sắp tới của cô cùng tên, cũng sẽ xoay quanh các chủ đề tương tự về sự phát triển bản thân, lòng trắc ẩn và tìm kiếm sự độc lập. Hãy chờ đợi nhé.
RAPPER JIN DOGG RA MẮT MV “THE RUBBERBAND MAN”, DUY NHẤT TỪ EP MỚI ”YOU DON’T KNOW”
Nghệ sĩ mang 2 dòng màu Nhật – Hàn: Rapper Jin Dogg gần đây đã phát hành EP You Don’t Know, đĩa hát solo đầu tiên của anh ấy kể từ EP HELL năm ngoái. Rapper nói được ba thứ tiếng lần đầu tiên nổi tiếng khi anh được giới thiệu trong bộ phim tài liệu “Asian Rising” của Red Bull / 88 Rising, được tôn vinh là một trong những ngôi sao chiếm lĩnh thế giới với nhạc Hip Hop Châu Á. Kể từ đó, Jin Dogg đã bận rộn trong việc cộng tác với các nghệ sĩ khác từ Nhật Bản và nước ngoài. Nhưng trong khi ảnh hưởng của anh ấy trên toàn thế giới, tinh thần của EP mới của Jin Dogg được đặt nền tảng vững chắc ở Dirty Kansai.
“YOU DON’T KNOW” được phát hành bởi tập thể HIBRID ENTERTAINMENT của Jin Dogg trong khẩu phần hợp tác với bpm plus asia. You Don’t Know trưng bày trái tim tinh khôi của Osaka, một album của hip-hop đường phố với một tâm hồn năng nổ, đầy nhiệt huyết. Với những giai điệu hùng hồn của Drill như “Al- ready” hoặc các loại creeper boombap như “Virus”, Jin Dogg đã điều khiển khéo léo qua từng thể loại với kỹ năng của một bậc thầy. Âm thanh của hip-hop ở Nhật Bản tiếp tục phát triển nhưng Jin Dogg vẫn nỗ lực vươn lên dẫn đầu, biến các xu hướng mới vào phong cách riêng của mình.
Jin Dogg Sinh năm 1990, sinh ra tại Ikuno-ku, Osaka, Jin Dogg là một rapper nói được ba thứ tiếng, có thể tự do nói ba thứ tiếng Nhật, Hàn và Anh, dựa trên nhiều kinh nghiệm của anh cả trong và ngoài nước khi còn là sinh viên. Sự nghiệp của anh ấy bắt đầu vào khoảng năm 2010, và sau khi thực hiện EP đầu tiên “Welcome to Bang Bang I.K.N” (2012) và các hoạt động trực tiếp tập trung vào các câu lạc bộ, anh ấy đã gia nhập nhóm hip-hop tài năng “Hibrid Entertainment” vào năm 2016. Cùng năm, anh phát hành mixtape “1st High” do người bạn cùng công ty DJ Bullset phối lại, và năm sau anh phát hành phần tiếp theo “2nd High”. Hơn nữa, những màn biểu diễn không ngừng nghỉ của khách mời từ trong và ngoài sân khấu hip-hop, biểu diễn trực tiếp trên khắp đất nước, xuất hiện tại các lễ hội quy mô lớn, và một thông điệp mạnh mẽ lay động tâm hồn người nghe.
Màn live performance áp đảo của anh ấy, đôi khi đi kèm với sự hỗn loạn cấp tiến, có tác động rất lớn đến cảnh quay và tốc độ hoạt động của anh ấy sẽ còn tăng tốc hơn nữa. Danh tiếng của nó không chỉ giới hạn ở Nhật Bản, nhưng vào năm 2019, anh ấy xuất hiện trong bộ phim tài liệu dài tập “Asia Rising – Thế hệ mới của Hip Hop” do Redbull Music x 88rising đồng sản xuất…
Được biết một trong những thử thách của anh là khi anh vượt qua sự kì thị về sắc tộc ở chính 2 quê hương của mình, vì mang trong người 2 dòng máu Nhật Hàn nhưng anh đã từng không được chào đón ở cả 2 đất nước vì nửa sắc tộc còn lại của mình. Bên cạnh đó khi là một nghệ sĩ hip-hop châu Á, vào vài năm về trước, anh ấy hay những đồng nghiệp xung quanh mình cũng gặp khá nhiều trở ngại khi thể loại này chưa thực sự được sống hay quan tâm nhiều ở khu vực, thậm chí một vài ý kiến cho rằng đó là một nền văn hoá được vay mượn.
JIN DOGG chia sẻ trong một buổi phỏng vấn trước đây
….Năm 2019, Sean Miyashiro’s 88Rising đã đưa ra một danh sách dường như vô tận gồm các nghệ sĩ và kỷ lục đáng nể cho bộ phim “Asia Rising”. Từ Rich Brian của Indonesia, với màn ra mắt gây ấn tượng Dat $tick đạt 113 triệu lượt xem trên YouTube, đến ca khúc It G Ma của rapper Hàn Quốc Keith Ape, người châu Á đầu tiên kỷ lục nhạc rap để đạt được thành công lớn. Không thể không kể đến các nữ rapper thẳng thắn như Awich của Nhật Bản và Suboi của Việt Nam, và rapper đa ngôn ngữ Jin Dogg. Những số liệu thống kê ấn tượng đó đã tạo nên tranh cãi. Các nghệ sĩ hàng đầu của bối cảnh có thể đến từ các khu vực khác nhau của châu Á, nhưng tất cả đều chiến đấu trên điểm chung. Và trong âm nhạc, lời bài hát của họ đều cho thấy những người theo chủ nghĩa hip-hop muốn rằng thể loại âm nhạc họ theo đuổi là điều đáng được công nhận.
Trong bộ phim, Jin Dogg chia sẻ :“Chúng tôi không phải là bản sao,” anh cho biết “Chúng tôi đã hình thành phong cách riêng của mình bằng cách tiếp thu những gì tốt đẹp của các nền văn hóa khác nhau. Tôi muốn mọi người xem bộ phim này để họ biết rằng châu Á ngày càng có nhiều người giống chúng tôi. ”
Album “SAD JAKE” và “MAD JAKE”, là những kiệt tác thể hiện những cảm xúc trái ngược nhau, đã được phát hành cùng lúc đó và đến năm 2020, thông qua âm nhạc tràn đầy năng lượng “Dirty Kansai” đang ngày càng mở rộng quy mô ra thế giới. Anh ấy tiếp tục thể hiện cá tính mạnh mẽ của riêng mình. Anh phát hành mixtape “3rd High” do DJ Bullset phối khí và với mixtape này, anh chính thức xác nhận tên tuổi của mình trong cộng đồng hiphop toàn châu Á.
2021
Trở lại với MV “Rubberband Man”, sản phẩm này thực sự có thể gọi là một business. Thay vì tôn vinh cuộc sống của một ngôi sao hip-hop, MV cho thấy Jin Dogg trên đường phố, thực hiện các giao dịch cả ngày lẫn đêm cho các ban nhạc đó. Ánh đèn đường phản chiếu qua gương chiếu hậu của ô tô khi anh băng qua các con phố ở Dirty Kansai. Không có việc tạm dừng cho một bữa ăn nhanh hoặc một làn khói, mọi thứ được diễn ra khi đang di chuyển. Thông điệp rất rõ ràng: khi bạn đang ở trong club hay đi chơi với bạn bè của mình, Jin Dogg sẽ làm việc để kiếm tiền.
Dự án nghệ thuật đường phố theo mô hình pop-up là dự án đầu tiên của Wabi-sabi Creative mang tên “Urban Layers” sẽ đại diện các tác phẩm đến từ nhóm nghệ sĩ Graffiti Wallovers và nhiếp ảnh gia đường phố Vy Lam. Triển lãm là công cụ thúc đẩy sự phát triển nghệ thuật đô thị (Urban art) bằng cách thêm vào những màu sắc, âm thanh sống động cùng các đặc trưng văn hóa để biến đổi phố thị Việt Nam qua góc nhìn rất cá nhân của từng nghệ sĩ. Mục tiêu của các nghệ sĩ là đem những thực hành về nghệ thuật đường phố tiếp cận rộng rãi hơn với đại chúng, sau cùng để lại thông điệp về niềm vui như một liều thuốc tinh thần trong giai đoạn khó khăn này.
Dựa trên mô hình triển lãm pop-up, Thực tế ảo tăng cường (AR) sẽ được kết hợp sử dụng trong không gian vật lý, được tương tác bằng điện thoại thông minh hoặc máy tính bảng. Điều này cho phép người tham dự xem các tác phẩm không chỉ giới hạn ở bề mặt truyền thống mà còn được trải nghiệm một môi trường mới bằng tương tác và âm thanh. Tuy nhiên, việc biến triển lãm vật lý thành một “phòng xem trực tuyến” đặt ra những thách thức mới khi cần đến các phương pháp khác mô phỏng lại trải nghiệm thực tế ảo tại chính phòng triển lãm, nhằm duy trì kết nối với khán giả tương tự như xem các tác phẩm nghệ thuật trực tiếp.
Những người đằng sau 𝐖𝐚𝐛𝐢-𝐒𝐚𝐛𝐢 Creative: Hướng đi chính của Wabi-Sabi vẫn nghiêng về quản lí và hỗ trợ nguồn lực, tức là tìm ra những người phù hợp cho các dự án; từ nghệ sĩ 3D, nghệ sĩ đồ họa, biên tập phim, nhiếp ảnh gia, đến nhà sản xuất âm nhạc và các cây viết – những nguồn lực sáng tạo trẻ tại Việt Nam cần được thúc đẩy. Mục tiêu lớn hơn là nuôi dưỡng đồng thời phát triển, kết nối họ với các dự án nghệ thuật mới. Tất cả những điều này hướng đến việc mở rộng tiềm năng ảnh hưởng của nghệ thuật đương đại Việt Nam cũng như các không gian văn hóa sáng tạo.
Kim Huỳnh đưa ra ý kiến: “Sẽ không lâu nữa, ngành công nghiệp sáng tạo tại Việt Nam sẽ là động lực mạnh mẽ cho việc tăng trưởng kinh tế cũng như những phát triển bền vững về xã hội và văn hóa. “Để thu hút đúng đối tượng, các thương hiệu phải phát triển để đáp ứng với chuyển đổi kỹ thuật số.” Trọng tâm của cô là tiếp tục phát triển các câu chuyện bằng hình ảnh cùng những nội dung kỹ thuật số khác – khám phá các phương pháp kể chuyện mới để nắm bắt sự ảnh hưởng của nghệ sĩ và đẩy mạnh tiềm năng của họ.
Hơn nữa, Trâm Bùi sẽ tiếp tục chọn việc phát triển cùng các nghệ sĩ Việt Nam, đưa tiếng nói của nghệ sĩ trẻ đến môi trường quốc tế thông qua việc tìm kiếm các cơ hội tiếp cận khoản tài trợ từ chính phủ và các thương hiệu. Là một nghệ sĩ thị giác, cô hiểu việc nhiều nghệ sĩ trẻ tại Việt Nam vẫn thiếu đi những cơ hội tiếp cận nhiều phương diện của nghệ thuật. Do đó, cô có niềm tin mạnh mẽ vào việc hỗ trợ ngành công nghiệp này và mong muốn trở thành một giám tuyển không gian đương đại trong tương lai.
Wabi-Sabi private Graffiti Workshop. Photo by Thao
Mục tiêu tương lai của Wabi – Sabi:
Tầm nhìn tổng thể của Wabi-Sabi hướng đến kết nối các nhóm khán giả mới phản ánh thế hệ hiện tại – nơi nghệ thuật đồng hành cùng công nghệ. Sau khi đại dịch được kiểm soát, Wabi-sabi Creative sẽ có kế hoạch tổ chức nhiều triển lãm nghệ thuật pop-up hơn với sự hỗ trợ từ local brand như Bitis Hunter và Hades. Trâm Bùi cũng đưa ra ý kiến rằng: “Chúng tôi sẵn sàng hướng đến New media Art chứ không chỉ giới hạn ở các chất liệu truyền thống – việc trưng bày phiên bản số hóa của các tác phẩm từ nghệ sĩ là tiêu chuẩn mới sau đại dịch”.
Rõ ràng COVID đã trở thành chất xúc tác cho quá trình chuyển đổi kỹ thuật số ở tất cả các ngành công nghiệp lớn nhỏ và chúng ta cần phải học cách thích nghi. Khi công nghệ trở thành cầu nối giữa thế hệ Z và thế hệ Millennial, việc đầu tư và tiêu dùng sẽ trở nên nhiều hơn đối với các hoạt động và chương trình nghệ thuật. Các nền tảng do Wabi-Sabi tạo ra chắc chắn cần sự hỗ trợ từ cộng đồng trong việc xây dựng cơ sở hạ tầng sáng tạo tương lai để mọi người cùng phát triển và tận hưởng từ khởi đầu này.
Không có gì tồn tại hay hoàn thiện mãi mãi và không có gì là hoàn hảo…
Cuộc sống đáng trân trọng bởi nó có kết thúc, điều này liên hệ trực tiếp đến tính thẩm mỹ về sự nhất thời – một trong những đặc trưng của nghệ thuật đường phố: các tác phẩm sẽ “chết đi” theo thời gian bởi các tác động tự nhiên. Bản chất của nghệ thuật đường phố là được tạo ra để tồn tại trong một khoảng thời gian ngắn, cho phép chúng ta đánh giá vẻ đẹp các tác phẩm bằng cách chấp nhận chu kỳ trong tự nhiên cũng như suy tàn – đây đồng thời cũng là triết lý cốt lõi đằng sau Wabi-Sabi. Ý tưởng về triển lãm nghệ thuật pop-up mang lại trải nghiệm liên tục và hiệu quả khác nhau so với các điểm đến truyền thống cố định. Điều này sẽ tạo ra những cộng đồng mới kết nối với người nghệ sĩ; đồng thời kể những câu chuyện khác nhau với những mục tiêu khác nhau (thay đổi địa điểm cùng tệp người tham dự). Wabi-sabi cũng thay đổi cách giám tuyển truyền thống sang việc hỗ trợ nghệ sĩ có thể chọn ra branding của chính mình.
(Tác phẩm của Wallovers trên đường Nguyễn Duy, Bình Thạnh). Photo by Khang Nguyễn
Trải qua một năm khi tất cả chúng ta đều phải ở nhà vì đại dịch COVID, những người sáng lập Wabi-Sabi Creative – Kim Huỳnh và Trâm Bùi – đã quyết định tập trung vào nghệ thuật đường phố cũng như sự phát triển của Hip-hop Việt Nam khi nhìn thấy tiềm năng tương lai của những thực hành này. Vì thời điểm khó kiểm soát của bệnh dịch, Wabi-sabi Creative đã không thể bắt đầu dự án đầu tiên bằng những cảm nhận thị giác trực tiếp như dự định ban đầu mà đã quyết định thay thế phòng trưng bày vật lý bằng việc chuyển đổi thành tham quan studio và triển lãm ảo. Dù COVID đã đem đến những hạn chế nghiêm trọng trong tính chất của triển lãm và tương tác của người tham dự theo cách thông thường nhưng đồng thời đây cũng là một khởi đầu mới cho Wabi-sabi Creative khi chuyển không gian triển lãm sang những khám phá ảo.
(Tác phẩm của Cresk – Wallovers trên đường Nguyễn Duy, Bình Thạnh)
zkhoa sinh năm 1995, là một nghệ sĩ trẻ đang sinh sống tại Sài Gòn. Hầu hết các thực hành của anh xoay quanh nghệ thuật đường phố, đặc biệt là Graffiti. Bên cạnh phát triển những dự án cá nhân, zkhoa còn là thành viên sáng lập nhóm Wallovers, một tập hợp những người trẻ cùng chung định hướng, mong muốn mang nghệ thuật đường phố rộng rãi đến đại chúng trong tương lai gần.Là người gốc Hoa, sinh ra và lớn lên tại quận 8, Sài Gòn; zkhoa đã nhìn thấy những khía cạnh văn hóa đặc trưng trong khu vực anh cư trú từ rất sớm. Tuy nhiên, không áp đặt góc nhìn tiêu cực, zkhoa chỉ phản ánh và sử dụng những điều này làm trung gian cho các cảm hứng nghệ thuật.
Mối quan tâm của zkhoa xoay quanh những diễn giải nội tâm và cuộc sống thường nhật. Các tác phẩm của anh xuất phát từ tư liệu đời thường, được đưa về các mảng hình và mảnh nhỏ rồi thay thế, biến đổi nó trở thành những phom dạng mới. Không dừng lại ở bề mặt truyền thống, anh giữ một sự yêu thích nhất định với Digital art và sử dụng chất liệu này như một công cụ khác để bày tỏ góc nhìn cá nhân. Hầu hết các tác phẩm của zkhoa mang một đặc trưng chung về thị giác: chuyển hoá – phân mảnh – tái cấu tạo. Anh yêu thích bóc tách những khối vật thể, đưa nó về một cấu trúc mới và được anh gọi là mảng hình trung gian. Có hai loại mảng trung gian chính trong các tác phẩm của zkhoa: “hình vô cơ” và “hình hữu cơ”. Theo anh, những mảng hình trung gian này là cầu nối giữa cái “hiện diện chân thực” và “hiện diện ảo”, đi từ những sự thật có thể nhìn thấy, cảm nhận cho đến sự thật không thể nhìn thấy hay cảm nhận – “những mảng hình này là nguyên liệu quan trọng để tôi tái tạo lại thế giới của riêng mình. Tính chất cầu nối của nó có vai trò như số phức trong toán học”, trích lời zkhoa.
zkhoa tin rằng việc sao chép tự nhiên không phải là công việc “tối thượng” của nghệ thuật mà góc nhìn của người nghệ sĩ mới là câu chuyện cần được để tâm. Đối với anh, một tác phẩm tốt cần có tính “đồng sáng tạo”; nó không kết thúc ngay sau khi người nghệ sĩ hoàn thành mà luôn biến đổi, âm ỉ, chết đi hoặc hồi sinh theo từng góc nhìn của mỗi người xem. Các tác phẩm trong không gian triển lãm “Urban Layers” được phân tầng, tạo ra sự tương phản các khung nhìn văn hóa đậm tính cá nhân của từng nghệ sĩ.
Đối với zkhoa trong triển lãm lần này, anh nhìn thấy những khía cạnh chân thực nhất của “rat race” (cuộc đua chuột), một sự truy đuổi không hồi kết của vật chất và mưu sinh để tồn tại. Anh kể về sự hối hả, hy vọng vào con số trước 4 giờ chiều. Một cuộc chạy đua khỏi “đáy xã hội” và những hiện thực có xu hướng bị chối bỏ: vấn đề vay nặng lãi, cờ bạc, rượu chè… Tuy nhiên, zkhoa đã tổng hòa những khía cạnh tiêu cực, chuyển hóa nó thành cuộc phiêu lưu đầy màu sắc và một phần nguyên liệu của cái đẹp. Các nhân vật đại diện không chỉ xuất hiện và kể câu chuyện đường phố mà còn là nơi “nương náu” cho mỗi giai đoạn phát triển của zkhoa – chồng chéo, nhiều hỗn loạn.
Cresk (Nguyễn Tấn Lực) sinh năm 1997, là một nghệ sĩ trẻ đang thực hành nghệ thuật tự do và là đồng sáng lập của nhóm nghệ sĩ Wallovers. Từng theo học chuyên ngành về Thiết kế đồ họa tại trường Đại học Mỹ thuật TP.HCM và Văn Lang, Cresk vẫn chọn theo đuổi Graffiti và đưa nó trở thành thực hành chính của mình.
Nguồn cảm hứng của Cresk thường đi từ những điều dung dị nhất. Anh chắt lọc những sự thật luôn hiển lộ từ đời sống văn hóa và đưa nó vào các tác phẩm. Cách làm nghệ thuật của Cresk khá tỉ mẩn. Anh bóc tách những nguồn năng lượng tích cực qua những con người, sự việc, sự vật đã quan sát; sau đó xem xét, cuối cùng mới phản chiếu những điều đó vào thực hành mình.Nằm cốt lõi trong những mối quan tâm của Cresk là hình tượng của người phụ nữ. Thông qua hình tượng này, anh chất vấn những ý niệm về tính nữ, tìm cách tái tạo lại những trải nghiệm cảm xúc đời thường của họ trong góc nhìn của mình.
Người phụ nữ xuất hiện trong thế giới của Cresk không ủy mị mà trở thành trung tâm, không khuất dạng mà được tôn vinh bởi những “quyền năng” họ đang nắm giữ. Trong triển lãm “Urban Layers”, các tác phẩm của Cresk lần nữa gợi lại góc nhìn và sự ngưỡng mộ của mình đối với người phụ nữ Việt. Hình tượng Á đông quen thuộc từ chiếc nón lá đến tà áo dài giờ đây được Cresk tái hiện ở hình thức mới; qua lăng kính của nghệ thuật đường phố lồng ghép những yếu tố tôn giáo. Trong mường tượng của mình, người phụ nữ của anh nổi bật và thoát khỏi những ý niệm, định kiến cũ. Người phụ nữ đã xuất hiện hoàn toàn tự chủ, không phụ thuộc và có quyết định đối với chính mình. Cô ta mang năng lượng của sự thay đổi, đồng thời được cấy ghép những niềm tin “tâm linh” khi có khả năng thực hiện những điều không thể. Cresk thực hành những chất liệu khác nhau cho lần triển lãm này, bao gồm tác phẩm thị giác và sculpture.
Các tác phẩm thị giác có xu hướng kể đến những trải nghiệm đắm chìm trong cảm xúc của người phụ nữ, mời gọi người xem di chuyển và nhìn vào tâm trí của họ. Đối với các tác phẩm sculpture, ý niệm người nữ xuất hiện táo bạo hơn khi mở rộng cuộc hội thoại về chính họ và hình hài văn hóa mới.
Thông tin chi tiết của triển lãm sẽ được cập nhật trên V2X, các bạn hãy đón xem nhé.
My Name mùa 1 đã khép lại và tạo được sự hài lòng nhất định, nhưng liệu My Name có được làm mới cho mùa thứ hai không? Nếu vậy, My Name season 2 sẽ diễn ra như thế nào? (Bài viết có nội dung spoil)
‘My Name’, cú hit tiếp theo của Netflix sau ‘Squid-game’
Một trong những câu hỏi phổ biến nhất trong thế giới trên mạng hiện nay là bạn nên xem gì sau Squid Game, vì đó là phần giới thiệu đầu tiên của nhiều người về phim truyền hình Hàn Quốc. Giờ đây, Netflix đang tìm cách đưa ra câu trả lời dễ dàng với My Name, một bộ phim truyền hình Hàn Quốc mới đang bắt đầu lọt vào danh sách top 10, ngay cả ở Mỹ.
My Name vừa ra mắt vào tuần trước và nó đã đạt vị trí thứ 9 trên top 10 tổng thể của Netflix tại Hoa Kỳ, vị trí thứ 6 đối với TV. Đó là câu chuyện về một cô gái tham gia băng đảng để trả thù cho cái chết của cha mình, sau đó trở thành cảnh sát chìm. Phim có sự tham gia của Han So-hee, một người mẫu kiêm diễn viên đã tham gia một số chương trình của Hàn Quốc từ năm 2017, nhưng đây có thể là vai diễn lớn nhất của cô ấy (trước đó cô xuất hiện nhiều hơn trong các drama tình cảm lãng mạn, drama ‘Nevertheless’ của cô cũng một phần tạo nên tên tuổi của nữ diễn viên trong năm 2021)
Mặc dù My Name không có khả năng tái tạo thành công lan truyền mạnh mẽ của Squid Game, nhưng nó vẫn là bộ phim đáng để mắt đến. Sau Squid Game, thiết nghĩ rằng bạn sẽ thấy ngày càng nhiều bộ phim truyền hình Hàn Quốc chất lượng vươn lên trên các bảng xếp hạng trên toàn thế giới, giờ đây là thời điểm vàng khiến càng có nhiều người sẵn sàng cho họ cơ hội.
My Name đang được đánh giá tốt với điểm số người dùng 8,1 trên IMDB, chỉ kém Squid Game’s 8,2 một tích tắc. Nó cũng chia sẻ một điều tương tự như Squid Game ở chỗ nó có sự nhất quán về biên kịch và đạo diễn trong tất cả các tập của nó. Squid Game đã có Hwang Dong-hyuk viết kịch bản và trực tiếp tất cả các tập của Squid Game. My Name có một biên kịch và một đạo diễn tương ứng cho cả tám tập. Kim Ba-da viết kịch bản, Kim Jin-min đạo diễn.
‘My Name’ Mùa 2
My Name mùa 2 có thể sẽ sớm ra mắt Netflix – đây là những gì chúng ta biết về cách phần thứ hai có thể diễn ra. Câu chuyện của bộ phim tội phạm Netflix My Name xoay quanh Ji-woo (Han So-hee), người đang săn lùng kẻ giết cha cô Dong-hoon, và trong quá trình này, bị lôi kéo vào thế giới ngầm tội phạm của Hàn Quốc băng nhóm đường phố. Ji-woo được Mu-jin, người từng là bạn của Dong-hoon, tuyển vào một băng đảng, và Ji-woo cuối cùng đã làm sáng tỏ một âm mưu tội phạm làm thay đổi tất cả những gì cô biết về cha mình. Sau thành công của K-drama sống còn Squid Game, My Name cũng đã gia nhập danh sách mười loạt phim ăn khách nhất của Netflix.
Tuy nhiên, khác với Squid Game, cái kết của My Name không để lại những bí ẩn khiến khán giả phải suy ngẫm. Có tin tiết lộ rằng Dong-hoon là một đặc vụ cảnh sát chống ma tuý bí mật, tên thật là Joon-su, người chỉ giả danh tính của Dong-hoon để thâm nhập vào tổ chức Dongcheon. Hơn nữa, còn tiết lộ rằng Mu-jin, người đứng đầu Dongcheon, người đã huấn luyện Ji-woo và chào đón cô ấy vào băng đảng, thực sự là kẻ giết cha cô ấy. Trong phần cuối của My Name, Ji-woo giết Mu-jin vì đã nói dối cô và thao túng cô, còn Ji-woo tiếp tục trốn tránh cảnh sát về ma tuý. Trong khi đó, trưởng đơn vị điều tra ma tuý Gi-ho vẫn sống sót sau vụ ám sát của mình và đang hồi phục vết thương.
Hai nhân vật sống sót của My Name đưa ra hai điểm khởi đầu tiềm năng khác nhau cho phần thứ hai. Bất chấp việc My Name mùa 1 kết nối thành thạo tất cả các kết thúc lỏng lẻo như thế nào, vẫn có nhiều cách để khám phá điều gì xảy ra với Ji-woo hoặc Gi-ho, với nhiều cơ hội để sáng tạo bạo lực và bí ẩn – My Name’s bread and butter. Tuy nhiên, tất cả đều phụ thuộc vào Netflix rằng câu chuyện về những nhân vật này có tiếp tục trong phần 2 hay không.
Làm thế nào My Name thiết lập một câu chuyện phần 2 Sau khi Ji-woo nhận ra rằng cô đã bị Mu-jin thao túng để thực hiện các hành vi phạm tội khác nhau, Ji-woo cuối cùng có thể tự nộp mình cho cảnh sát. Lương tâm của Ji-woo sẽ không cho phép cô tiếp tục chạy trốn pháp luật, đặc biệt là sau khi mối quan tâm lãng mạn của Ji-woo, cảnh sát Pil-do, bị Mu-jin giết. Kỹ năng đánh đấm của Ji-woo sẽ có ích trong tù, đặc biệt là vì cô ấy là một cựu cảnh sát đã giết một số tên xã hội đen nổi tiếng. Nhân vật phụ Gi-ho của My Name cũng có thể xuất hiện trong câu chuyện của mùa thứ hai. Gi-ho không chỉ vẫn còn sống mà còn có thể là người đưa Ji-woo ra trước công lý.
Hơn nữa, nhất định phải có rất nhiều bằng chứng có thể được tìm thấy trong trụ sở Dongcheon, nơi mà hiện tại đơn vị điều tra ma tuý hoàn toàn có thể tiếp cận được nhờ cách Ji-woo đã thảm sát toàn bộ tổ chức tội phạm. Mặc dù điều này không thể tha thứ cho Ji-woo về tội ác của cô, nhưng nó có thể là cơ sở đủ để Ji-woo trở thành nội gián của nhà tù Gi-ho khi tên trùm ma túy làm sáng tỏ băng đảng và bằng chứng liên quan đến ma túy. Rốt cuộc, cả hai đều có mối liên hệ sâu sắc tương tự với Joon-su, người đã chết khi chiến đấu với những băng nhóm này. Từ quan điểm này, My Name mùa 2 cũng có thể sử dụng hồi tưởng để tiết lộ thêm về câu chuyện nguồn gốc của Choi Mujin, cách cảnh sát Joon-su trở thành trùm xã hội đen Dong-hoon và thậm chí tại sao nhân vật phụ cũ Gi-ho quyết định làm việc cho ma tuý. Mặc dù phần kết của My Name đã mang lại một cái kết thỏa mãn và có ý nghĩa cho cốt truyện trinh thám mới của loạt phim, nhưng chắc chắn vẫn có chỗ cho phần thứ hai để xây dựng dựa trên những gì phần đầu tiên đã thiết lập. Ngoài ra, các bộ phim truyền hình Hàn Quốc có xu hướng kéo dài trung bình khoảng 16 đến 20 tập. Phần 1 của My Name đã kết thúc chỉ sau 8 tập, điều đó có nghĩa là những gì được tiết lộ chỉ là nửa đầu của câu chuyện.
My Name Season 2 có xảy ra không?
Hiện tại, gã khổng lồ phát trực tuyến Netflix vẫn chưa đưa ra thông báo về việc liệu My Name có thực sự được gia hạn cho phần thứ hai hay không. My Name hiện không có trong danh sách các chương trình Netflix sẽ trở lại vào năm 2022. Điều đáng nói, My Name được phát hành vào ngày 15 tháng 10 năm 2021, có nghĩa là có thể còn quá sớm để biết liệu K-drama này sẽ diễn ra hay không thể tiếp tục. Hiện tại, vẫn chưa rõ liệu My Name có được Netflix làm mới hay không, chưa nói đến thời điểm mùa thứ hai ra mắt. Mặt khác, xem xét sự thành công của My Name và bộ phim lọt vào top 10 của Netflix nhanh chóng như thế nào, có tiền lệ cho rằng phần 2 của My Name có thể sẽ sớm ra mắt.
Dàn diễn viên: Ai có thể trở lại?
My Name mùa 1 chỉ còn lại một số nhân vật chủ chốt còn sống. Ngoài cựu xã hội đen / cảnh sát Ji-woo và trưởng đơn vị điều tra ma tuý Gi-ho, những cảnh sát ma tuý khác cũng có thể tham gia vào các vai trò lớn hơn trong mùa thứ hai. Điều này đặc biệt đúng vì Mu-jin đã giết Pil-do, một thành viên thân yêu và xuất sắc của đơn vị chống ma tuý. Khi Gi-ho đào bới các bằng chứng ở trụ sở Dongcheon để truy lùng các băng nhóm còn lại của thành phố, một số cảnh sát sống sót có thể tham gia cùng Gi-ho trong một câu chuyện mới. Trong khi đó, cái chết của cả Mu-jin và Gang-jae đã tạo ra khoảng trống quyền lực lớn trong thế giới ngầm tội phạm Hàn Quốc. Một số băng đảng nhỏ từng thấy trước đó trong phòng tập thể dục của băng đảng Dongcheon cũng có thể trở thành thủ lĩnh tội phạm mới trong phần 2, điều này sẽ mang đến cho Gi-ho và nhóm mới của anh ấy một thử thách xứng đáng. Hơn nữa, một số băng nhóm xã hội đen này cũng có thể tìm kiếm Ji-woo để trả thù cho Mu-jin, vì cựu thủ lĩnh Dongcheon rõ ràng có mối liên hệ rất sâu sắc với phần còn lại của thế giới ngầm tội phạm.
Trong mọi trường hợp, hai nhân vật chính duy nhất chắc chắn sẽ trở lại là Ji-woo và Gi-ho, chủ yếu là vì họ là những người duy nhất thực sự sống sót sau My Name season 1. Nếu My Name season 2 vượt qua được, thì điều gì có khả năng xảy ra xảy ra là nó sẽ được lấp đầy bởi một dàn nhân vật gần như hoàn toàn mới. Xem xét cách bạo lực của My Name được so sánh với những bộ phim đẫm máu nhất của Tarantino (chẳng hạn như Kill Bill), phần 2 nhất định phải sáng tạo hơn nữa với cảnh bạo lực của nó, điều này có thể dẫn đến nhiều võ sĩ kinh nghiệm hơn nữa tham gia vào dàn diễn viên mới. Là một trong số ít phim truyền hình K mới cực kỳ bạo lực của năm 2021, câu chuyện của My Name đủ độc đáo để thu hút một lượng lớn người theo dõi đang yêu thích phần thứ hai và Netflix chắc chắn sẽ sớm trả lời những lời kêu gọi này.
Thời điểm này năm ngoái, PinkPantheress không bao giờ có thể ngờ rằng cô ấy sẽ trở thành nghệ sĩ đột phá lớn nhất ở Anh hay có thể nói là trên thế giới. Nhưng trong một năm mà ngành công nghiệp âm nhạc hoạt động trì trệ, cô ấy đã đi đến nơi đến chốn: điều bắt đầu bằng việc tải lên những đoạn ngắn dài 15 giây của những giai điệu chưa được phát hành của cô ấy lên TikTok đã khiến cô ấy bùng nổ về cơ bản trên mọi nền tảng mạng xã hội, ghi được một điểm thỏa thuận với nhãn lớn, đạt được một số vị trí trong bảng xếp hạng 40 hàng đầu và tăng tốc hàng trăm triệu luồng. Các bài hát của cô – hiếm khi vượt quá mốc hai phút – đã chín muồi cho khí hậu hiện tại: táo bạo, chân thành và sáng tạo.
TO HELL WITH IT
Bất chấp mức độ cường điệu đáng kinh ngạc xung quanh nó, mixtape 10 ca khúc đầu tay của cô gái 20 tuổi sinh ra tại Bath không chỉ chứng minh cho điều đó mà còn vượt xa nó. ‘To hell with it’ đạt điểm ngọt ngào mà những người hâm mộ các bản hit lan truyền của cô ấy đã phải lòng: những lựa chọn mẫu không rõ ràng và sản xuất phá cách, tham khảo những năm 90, cùng với giọng hát trẻ thơ, sáng tác hoài cổ và lời bài hát súc tích.
‘To hell with it’ cũng vượt trội về định dạng: có năm đĩa đơn chúng tôi đã nghe, bao gồm ‘Just for me’ do Mura Masa sản xuất, cú đột phá về âm trầm ‘n’ của trống Adam F-sampling ‘Break it off’, và ‘Passion’ do guitar dẫn dắt, cũng như các bản nhạc hấp dẫn không kém khác theo công thức (‘Noticed I Cried’), và sự thú vị nằm trong một số điều bất ngờ khác nữa.
Bản nhạc R&B và dembow swing của ca khúc chia tay ‘All my friend know’ (lấy mẫu khéo léo tiếng piano và tiếng chim hót trong ‘Wind Glider’ của Sven Torstenson) gợi nhớ đến AlunaGeorge sớm; ‘Nineteen’ kết hợp lời bài hát có liên quan về A-Levels thất bại, cửa hàng yêu thích của cô ấy đóng cửa và sự cô đơn, và được hỗ trợ bởi các dây dàn nhạc buồn của ca khúc truyền cảm hứng nhạc jazz của nhà soạn nhạc người Brazil Toco, “Outro Lugar”. ‘Last valentines’ đậm chất trống, sử dụng các yếu tố của ‘Forgotten’ của Linkin Park, kể một câu chuyện đau thương về quá trình sản xuất đáng ngại; mặc dù nội dung của nó tối và nghiêng về cảm xúc, nhưng một sự ngọt ngào vẫn còn. Đặc biệt, những bài hát này thể hiện một khía cạnh chậm hơn, lạc hậu hơn đối với nghệ thuật của cô ấy, nơi PinkPantheress đã sẵn sàng để tiến vào lãnh thổ mới. Đây là kiểu mixtape phải quay đi quay lại nhiều lần; thời gian chạy 16 phút của nó chắc chắn khuyến khích điều đó. PinkPantheress thể hiện những ca khúc phiêu lưu và ngoạn mục này với niềm tin chiến thắng chỉ đến khi bạn làm tốt hơn mong đợi của mọi người, đặc biệt là của chính bạn.
“Pain” dài 60 giây, do nhà sản xuất kiêm ca sĩ PinkPantheress phát hành trên TikTok vào đầu năm nay, thể hiện một bản hit đầy tâm trạng của bản hit đầu những năm 2000 “Flowers” của nhóm Sweet Female Attitude của Anh. Bây giờ là câu chuyện xác định của thời đại chúng ta, đĩa đơn đã thu về cho nhạc sĩ 20 tuổi một hợp đồng thu âm tại Parlophone, cũng như những người hâm mộ các ngôi sao như Clairo và Giveon. TikTok thậm chí còn đặt tên cho nó là “ca khúc đột phá của mùa hè”. Đây cũng là một ví dụ hoàn hảo về sự thôi thúc của Gen Z đối với nỗi nhớ Y2K. Nhưng ngay cả như vậy, PinkPantheress có vẻ giống như một trục trặc trong Ma trận. Mặc dù được che đậy bởi một loạt các mẫu nhạc bass ‘n’ mang tính biểu tượng của ngôi nhà và trống, mixtape đầu tay của cô ấy đến địa ngục với nó, được phát hành vào tuần trước, lập bản đồ những gì có cảm giác như lãnh thổ thực sự chưa được khám phá.
Trong vòng 19 phút ngắn ngủi, PinkPantheress đã xây dựng và gỡ bỏ các mạng lưới cảm giác. Là một nhạc sĩ, cô ấy có năng khiếu đặc biệt trong việc đáp ứng các chủ đề về sự tuyệt vọng với sự duyên dáng. Ví dụ như trong “Last Valentines”, cô ấy hát: “I crashed my car right into a tree, I’d risk my life for a chance you’d come back to me ” trước khi thể hiện tình cảm ấn tượng trong đầu. “You called 999, then left me to bleed, I know you’d never cause an accident for me” Bài hát được trình diễn trên một bản mẫu của Linkin Park, mang đến một trong những khoảnh khắc giao thoa giữa pop-punk hay hơn trong sự hồi sinh của năm qua. Ở đây, PinkPantheress tìm thấy sự cân bằng bẩm sinh với các đặc tính của nguyên liệu gốc.
Ở những nơi khác, chẳng hạn như trong “I Must Apologize”, ca sĩ xây dựng các họa tiết ngắn gọn, giống như trong mơ. Cô ấy tự phản ánh và đặt câu hỏi về các mẫu hành vi trong các mối quan hệ. Ca khúc trở nên sôi động, nhẹ nhàng bởi giai điệu bay bổng từ bản hit “Gypsy Woman” của Crystal Waters. Giọng hát tuyệt vời và tinh tế của PinkPantheress mang đến một cái ôm nhẹ nhàng, giống như một cái ôm sâu trên sàn nhảy. “I must apologize. Before I end the night” cô hát trong đoạn điệp khúc.
Trong “Noticed I Cried”, cô ấy nổi trên một đoạn âm trầm ‘n’ của trống tinh túy – trình tự trống nói lắp và đàn hồi được bổ sung với kết cấu gần như đặc sắc. Giọng của PinkPantheress chứng tỏ khả năng đệm nhanh. Cô ấy lướt đi một cách du dương trên nhịp có chỉ số octan cao. Và bản nhạc, chỉ dài hơn một phút, chứa đựng một phạm vi cảm xúc hấp dẫn. “You’re too cruel to be kind and I know that from experience, I can hear your replies, but it’s maybe that I’m hearin’ things” đó là lời nhạc của cô ấy.
Cuối Album “Break it Off” sử dụng một mẫu trống “n’ bass tiên phong của Adam F đã được sửa đổi cao độ để hướng dẫn tính toán cảm xúc. “But I’m so used to sayin’ / I’m fine, ”cô hát. Demo được đăng tải đã thu hút được một khoảnh khắc kinh ngạc ngắn ngủi trên các phương tiện truyền thông xã hội, với những người hâm mộ lớn tuổi của thể loại này đang khóc lóc. Tuy nhiên, như với tất cả các tài liệu nguồn có trong hồ sơ, PinkPantheress không tuyên bố về quyền sở hữu. Các ghi chú của mixtape chứa đầy các đoạn ghi công bằng văn bản và mẫu cho một loạt các tiết mục nhạc dance cổ điển. Và, về mặt lý thuyết, PinkPantheress đạt được một điều gì đó tuyệt vời. Thay vì khai thác một cách hoài nghi vào sự trỗi dậy đang phát triển mạnh mẽ của nhạc dance thời kỳ đầu, ca sĩ tạo ra thứ gì đó hoàn toàn nguyên bản. Sáng tác của cô ấy được chứng minh là có tính chất phụ gia thay vì tính giản lược.
Thật dễ dàng để liệt kê PinkPantheress cùng với vô số cảm xúc lan truyền mà nền văn hóa của chúng ta đã tạo ra, nhưng góc nhìn phù hợp hơn đến từ các thời đại mà cô ấy đã lấy cảm hứng từ đó. Bộ sưu tập phong phú, mặc dù ngắn gọn, các bài hát về địa ngục với nó giống như kiểu cởi mở chân thành và chân thành mà Internet từng hứa hẹn.
PinkPantheress đã công bố các buổi trình diễn đầu tiên của cô ấy, với buổi tập đầu tiên sẽ diễn ra vào tuần tới. Ba buổi biểu diễn ở London được lên kế hoạch trong 3 tuần tới, mỗi buổi diễn ra vào các ngày thứ Năm liên tiếp. Lần đầu tiên được tổ chức tại The Pickle Factory vào ngày 28 tháng 10, lần thứ hai tại Câu lạc bộ xã hội Bermondsey vào ngày 4 tháng 11 và trận cuối cùng tại The Cause vào ngày 11 tháng 11. Cô viết trên Instagram Story của mình: “don’t take any toilet breaks cos u might miss it”.
Show Me The Money đã trở lại với mùa 10 và đã phát được 4 tập. Bên cạnh sự xuất hiện lại của Quán quân mùa 4 Basick và thiên tài producer SanE (giám khảo SMTM 2 mùa 3-4) với vai trò thí sinh, mùa 10 của show đình đám đến hiện tại có vẻ đã diễn ra không được như sự mong đợi trước đó. Có vẻ mặt bằng chung các thí sinh năm nay không có nhiều cái tên và tài năng nổi trội.
Qua 4 tập phát sóng, trước mắt không khó để nhận ra có 2 thí sinh đang chiếm hầu hết spotlight của cuộc thi chính là Be’O và Sokodomo. Sẽ có sự mâu thuẫn ở đây khi bạn thấy chúng tôi đặt 2 cái tên này cạnh nhau và nếu bạn chỉ vừa xem xong vòng loại, nhưng với những thông tin ngay dưới đây, V2X tin rằng tất cả sẽ được sáng tỏ lý do vì sao lại gọi 2 rapper này sẽ là quán quân tiềm năng của SMTM10.
Be’O – “Better than you Louis Vuitton”
Be’O hoặc Yoo Chanwook trở thành một cơn sốt chỉ qua một đêm sau khi màn trình diễn của anh ấy trên SMTM 10 Ep 2 trở thành Viral. Sự kết hợp giữa giọng hát, kỹ năng rap và lời bài hát cảm động Be’O mang lại một ấn tượng cực mạnh trong lòng các con dân của cuộc thi khiến mọi người đều ủng hộ anh ấy cho SMTM 10 mùa này. Kể từ vòng loại, Be’O đã trở thành sự bùng nổ của chương trình sau phần trình diễn “Counting Star” của mình. Phần thi đạt kỷ lục lượt xem tăng đến chóng mặt chỉ sau vài ngày công bố. Với phần thể hiện này, Be’O đã mang về cho mình AllPASS.
Phần thi vòng loại của Be’O – Counting Star
Được biết đây là thí sinh được producer Mino (Graynoma) phát hiện tài năng và để mặt từ vòng casting, qua các bài phỏng vấn từ trước đến sau bài thi của Be’O, Mino và các producer khác đều không ngừng nói về chàng trai này. Vòng 2 vừa qua, Be’O càng thể hiện rõ phong độ của mình và thành công được về với đội Graynoma.
Vậy Be’O là ai? Tên: Yoo Chanwook 27 tháng 4 năm 2000 Chiều cao: 178 cm Cơ quan: FameUs Records Instagram: @auxi_beo
Vẫn sử dụng tên thật của mình, Yoo Chanwook tham gia School Rapper 3. Sử dụng câu rap của anh ấy trên Kendrick Lamar – DNA beat, Yoo chanwook đến từ Trường Nghệ thuật Biểu diễn Seoul (SOPA) khiến mọi người kinh ngạc. Thật buồn là anh ấy đã bị loại sớm trong mùa School Rapper 3 này.
Ngay cả trước khi ra mắt, Be’O đã bắt đầu đăng nhạc của mình lên tài khoản soundcloud của mình từ năm 2017. Đã có rất nhiều viên ngọc quý từ Be’O ra đời trong hành trình tìm kiếm âm nhạc của anh ấy.
Ngay cả khi đó, Be’O đã được nghệ sĩ hip hop kỳ cựu Huckleberry P và Paloalto ca ngợi vì âm nhạc của anh ấy. Họ đã dự đoán rằng một ngày nào đó Be’O sẽ trở thành một ngôi sao trong ngành công nghiệp này. Be’O được công bố là một phần của FameUs Records. Một công ty / hãng âm nhạc do San E thành lập trước khi anh rời Brand New Music. Cùng với thành viên kỷ lục FameU, còn có 2 EP (God FameUs & Famous FameUs). Khẩu hiệu của BE’O với công ty của anh ấy là “Finally Famous”.
Be’O chính thức ra mắt solo vào ngày 5 tháng 9 năm 2020 với đĩa đơn Monster. Anh ấy đang cân nhắc xem mình nên chọn phong cách âm nhạc nào khi phát hành lần đầu tiên. Nhưng cuối cùng anh ấy đã chọn bài hát mà anh ấy vui vẻ nhất khi làm việc cùng và hy vọng những người nghe nó cũng vui vẻ.
MV That’s Wolf nằm trong album Monster
2021, Be’O phát hành ca khúc “Bad Love” vào ngày 1 tháng 4. “Bad Love” là một ca khúc hip-hop phong cách rock tiếp nối phần trước. Be’O đang tự sản xuất. Bài hát ngụ ý rằng “kết thúc tình yêu unhealthy còn khó hơn bỏ thuốc lá thành công.” Ngoài ra, Riaku
BE’O phát hành gần đây nhất là chỉ vài tháng trước vào tháng 5 năm 2021 với album đơn Bipolar. Album đơn này cho thấy BE’O thể hiện nhiều cảm xúc khác nhau bao gồm sự phẫn uất, khao khát, cam chịu và ghen tị. Hãy đi sâu hơn vào cảm xúc của con người và hy vọng những người hiện đang gặp khó khăn có thể được an ủi và mọi người khác có thể thông cảm cho những người đang gặp khó khăn khác.
2. sokodomo – Tiếng khóc chống lại sự sáng tạo âm nhạc vô vị
Nếu một số ít những ai đã biết về anh chàng “ngoài hành tinh” này thì có vẻ khá thất vọng với anh trong phần thi vòng loại của anh. Dù phần xuất hiện khá đặc biệt và hài hước nhưng khi vào tới bài thi, chàng trai lại quên lời nhiều lần và không thể hoàn thành tốt tiết mục của mình. Trong vài giây đầu tiên, dù nhận được sự mong đợi do màn chào sân thú vị nhưng sokodomo đã nhận được 3 Fail và may mắn đi tiếp vào vòng trong bằng 1 PASS đến từ team Producer Zion T & Slom.
Thế nhưng qua vòng 2, nam rapper đã lội ngược dòng để bộc lộ tài năng của mình. Anh trở lại vòng battle 1:1 với ưu thế vượt trội hơn so với đối thủ của mình.
Sokodomo sinh ra ở Hàn Quốc. Khi anh 4 tuổi, gia đình anh ấy chuyển đến Hoa Kỳ và sống ở đó 6 năm, trở lại Hàn Quốc trong 2 năm và đến Brasil trong 4 năm. Kể từ năm 2015, anh ấy sống ở Hàn Quốc một lần nữa.
Biệt danh của anh ấy là “Another Level”, “Alien”. Biệt danh “Alien” của anh ấy là từ một khái niệm mà anh ấy có trong High School Rapper 3.
Được biết, nam rapper là một người thường rất điềm tĩnh nhưng khi anh ấy biểu diễn / làm việc trên nền nhạc thì cái tôi của anh ấy bộc lộ ra ngoài. Anh có một vài cái tôi và tách chúng ra bằng những cảm xúc khác nhau. ví dụ. sokodomo là một cái tôi “bật lên” với những cảm xúc tích cực. Anh cũng có một cái tôi gọi là “LaPamasaka” với sự tức giận và căm ghét. Thực tế anh ấy Yang Seung-ho là người điềm tĩnh, muốn bình yên với những rung cảm tốt đẹp mà lúc nào cũng mệt mỏi.
Sokodomo có nghĩa là “Đứa trẻ Hàn Quốc”. Nó là sự kết hợp giữa tiếng Hàn với kodomo (こ ど も) có nghĩa là “đứa trẻ” trong tiếng Nhật.
Thu hút sự chú ý của công chúng vào năm 2019 với phong cách rap truyền cảm “ngoại ngữ” và những màn trình diễn xuất thần trên sân khấu Highschool Rapper Season 3 của Mnet, rapper 20 tuổi Sokodomo (tên thật là Yang Seung-Ho) kể từ đó anh đã được người nghe công nhận về âm nhạc độc đáo của riêng mình và ngày càng có sức ảnh hưởng lớn, trở thành K-Hiphop thế giới bởi cơn bão!
EP thứ 2 của anh ấy “… -… (S.O.S)” được phát hành vào ngày 11 tháng 5 năm 2021, là bản phát hành mới nhất của anh ấy để tiếp tục công việc thử nghiệm âm nhạc truyền cảm hứng cho người nghe và nghệ sĩ. EP là góc nhìn về thực tế ngột ngạt của con người và trò chơi thời gian thực giật gân về cơ chế đối phó của họ thông qua ống kính của sokodomo. Nó cũng gửi một tín hiệu SOS yêu cầu giúp đỡ để đối phó với những khó khăn này.
“… -… (S.O.S)” EP
Người nghệ sĩ 20 tuổi do đó đã thành công xuất sắc dự án lớn thứ hai của mình sau những tiếng gầm dữ dội của ‘WWW.III’ (EP đầu tiên của anh ấy). “… -… (S.O.S)” EP cũng một lần nữa chứng minh rằng việc theo đuổi âm nhạc độc đáo của anh ấy có thể dẫn đến việc mở ra những cánh cửa âm nhạc mà người ta thậm chí chưa từng biết đến. Đây là điều làm cho sự đau khổ chờ đợi âm nhạc của anh ấy và trải nghiệm cuối cùng khi nghe nó, thật thú vị hồi hộp!
‘WWW.III’ EP
Thoát khỏi bầu không khí sao chép nhiều của âm thanh hip-hop của Hàn Quốc, âm nhạc của sokodomo chứa đầy bảy bản nhạc sôi động đầy năng lượng được đổi mới một cách khéo léo. Trong đĩa đơn chính “GO HOME”, anh ấy vận dụng nhịp điệu và dòng chảy của mình để tạo ra những vần điệu song ngữ vô lý về việc tìm đường thông qua âm nhạc và cần dưỡng môi cho khuôn miệng quá nứt nẻ của mình. Trong đĩa đơn thứ hai, anh ấy lặp lại những khuynh hướng lập dị này, mang đến một bản hợp ca náo loạn Nightmare Before Christmas giống như điệp khúc trước khi bắn ra những câu thơ của anh ấy cùng với Qim Isle. Những vai khách mời thú vị xuất hiện cùng với Ugly Duck gốc Gwangju đang biểu diễn tại một số quán bar cũ của trường học trên “West Side Cling”, với KIRIN và SUMIN cung cấp một loạt các điệu nhảy disco R&B của thập niên 90 trên “BIKE” và “WANT LOVE ?.”
Tại sao lại đặt sokodomo trong danh sách quán quân tiềm năng của SMTM10 cùng Be’O thì chắc hẳn chúng ta chỉ cần nghe nhạc của chàng trai này là sẽ hiểu, sự đặc biệt đến “dị biệt” trong màu sắc của anh ấy chính là vũ khí lớn nhất để sokodomo chinh phục cuộc thi lớn này giữa rất nhiều tài năng ngoài kia. Kể cả gần đây trong ca khúc highlight trong album “Alpha” của CL – “SPICY”, CL cũng nhắc tới những thế hệ trẻ thực lực đang tiếp nối cho nền âm nhạc châu Á, cô gọi những người trẻ này là “Most Fly Asian” trong lyrics của mình. Và sokodomo chính là 1 trong 3 nghệ sĩ trẻ tiêu biểu đó khi góp mặt cùng nữ thần quyền lực CL (bên cạnh Lil Cherry và Omega Sapien) trong bản hit trở lại của cô.
Bạn nghĩ sao về Be’O và sokodomo? Và những thí sinh khác từ SMTM10, ai sẽ là quán quân tiềm năng trong lòng bạn?
Công ty anh em với 88rising, Paradise Rising đã ra mắt vào năm ngoái để trao quyền và hỗ trợ các nghệ sĩ Philippines, bao gồm Manila Killa, Steven Peregrina, Daze, Curtismith, CA Christian Alexander, Yuna và đương nhiên là không thể thiếu những chàng trai của đảo – Manila Grey. Cách đây không lâu, bộ đôi R&B ở Vancouver đã trở lại với một video âm nhạc mới đầy sức sống cho giai điệu “Island Baby (Maarte) của họ”. Bài hát là đĩa đơn chính trong EP tổng hợp năm thứ hai của Paradise Rising, Semilucent 2.
“Island Baby (Maarte)” do Brock Newman và Manila Grey’s Soliven đạo diễn, phần hình ảnh thể hiện tất cả những điểm nổi bật của bộ đôi người Canada-Philippines: xe hơi kỳ lạ, phụ nữ xinh đẹp và sự quyến rũ không giới hạn. Được hỗ trợ bởi nhà sản xuất hàng đầu của Manila Grey – Azel North, ca khúc là một sự rung cảm không thể chối từ với tiếng guitar acoustic nhẹ nhàng, trống R&B vui nhộn và những điều ngọt ngào của Neeko và Soliven về người khác giới.
MANILA GREY
Là một bộ đôi hip-hop / R&B có nguồn gốc từ Vancouver, Canada được thành lập bởi những người bạn thời thơ ấu Soliven và Neeko – những người lớn lên ở Vancouver vào thời điểm mà không có ít cá tính châu Á đóng vai trò là người có ảnh hưởng. Giờ đây, cả hai muốn định hình lại triển vọng của thế hệ tiếp theo của những người Canada gốc Á.
Năm 2016, nhận ra mong muốn sáng tạo, họ bắt đầu nghiêm túc theo đuổi con đường âm nhạc. Sol luôn biết rằng anh ấy muốn có một sự nghiệp nghệ thuật, và mong muốn cải thiện kỹ năng của mình đã thúc đẩy anh ấy tiếp tục làm việc đó ngay cả khi anh ấy từ bỏ các công việc khác. “Sáng tác luôn là thứ tôi coi trọng, thậm chí khi nó còn chưa phải là âm nhạc, tôi cũng đã cố tạo ra những bộ truyện tranh từ câu chuyện của riêng mình để thể hiện bản thân. Sau đó, tôi bắt đầu viết lời bài hát của riêng mình và thử nghiệm trên các chương trình khác nhau, biến tấu các đoạn rap acapella khác nhau thành những nhịp điệu khác nhau”anh nhớ lại. “Khi tôi tìm hiểu thêm về quá trình sáng tạo, tự nhiên tôi bắt đầu xem xét công việc kinh doanh và cách thức hoạt động của tất cả những thứ này, đó là khi tôi biết một ngày nào đó đây sẽ là sự nghiệp của mình”.
Trong khi đó, Neeko đang thỏa mãn cơn khát nghệ thuật biểu diễn của chính mình, xem những bộ phim như You Got Served, Love Don’t Cost a Thing và Stomp The Yard, “Ý tưởng về việc biểu diễn hay diễn xuất luôn thấm nhuần trong tôi như thể tôi đã nhìn thấy tôi ở vị trí của họ. Khi bắt đầu, tôi có cảm giác như đang theo đuổi một giấc mơ, bạn biết không? ” anh nói. “Âm nhạc là sự nghiệp và sự nghiệp của tôi, nhưng càng học hỏi nhiều hơn qua nhiều năm, tôi nhận ra nó cũng giống như bất kỳ sự nghiệp nào khác. Bạn chỉ cần đầu tư thời gian vào nó. “
HÀNH TRÌNH ÂM NHẠCBẮT ĐẦU
Và đó chính xác là những gì Neeko và Sol đã làm – khi họ bắt đầu tải các bản nhạc lên SoundCloud và Bandcamp và tham gia 1z Collective, cả hai đã biến dự án mùa hè năm 2 nhỏ bé của mình thành một cỗ máy mà chúng ta biết đến ngày nay là Manila Grey. Làm việc với nhà sản xuất nội bộ của họ là Azel North, nhóm đã ra mắt EP No Saints Under Palm Shade được hoan nghênh và đã thu được hơn 16 triệu lượt phát trực tuyến trên Spotify và hơn 10 triệu lượt xem trên YouTube với các bản hit như “Timezones”, “Youth Water” và gần đây nhất, “Silver Skies.” Với vô số giờ sáng tác, thu âm, in ấn và cắt 150 bản bìa mixtape Vào lúc 3 giờ sáng, Neeko và Sol đã vươn lên dẫn đầu để giành lấy vị trí của mình trong làng nhạc hiện đại – một ngành công nghiệp bùng nổ.
Bắt đầu một chuyến lưu diễn quốc tế cháy vé với những màn chạm trán mang tính biểu tượng tại các câu lạc bộ chật cứng ở Hồng Kông và các buổi biểu diễn sân vận động đã được đặt kín chỗ ở quê nhà ở Philippines không phải là chuyện đùa. Là những người Canada gốc Philippines thế hệ đầu tiên, bộ đôi đã quen với việc trôi dạt liên tục giữa phương Đông và phương Tây. Chính điều này cũng đã làm cho 2 chàng trai càng được đón nhận vì là cầu nối giữa thẩm mỹ hiện đại của châu Á với giai điệu R&B trong không khí.
“Chúng tôi luôn hướng tới việc tạo ra thứ âm nhạc tốt nhất có thể cho mọi người, nhưng việc lớn lên hầu như không có bất kỳ ảnh hưởng nào từ người Mỹ gốc Á hoặc người Canada gốc Á để tìm kiếm và liên hệ cũng là động lực lớn tại sao chúng tôi làm điều này,” Neeko chia sẻ trên một tạp chí. Soliven nói thêm: “Các bạn cũng nên nhìn thấy tất cả những người làm việc chăm chỉ đằng sau hậu trường. “Chúng tôi thậm chí còn không nhận ra có bao nhiêu nghệ sĩ châu Á, nhà thiết kế đồ họa, giám đốc nghệ thuật, nhà tạo mẫu, quản lý, đạo diễn video, giám tuyển, v.v., những người rất cần thiết trong việc thúc đẩy quá trình kinh doanh và sáng tạo của ngành công nghiệp âm nhạc. Điều đó khiến chúng tôi rất hạnh phúc ”.
Năm 2021, Manila Grey nhận được đề cử Giải thưởng Juno cho Nhóm đột phá của năm tại Lễ trao giải Juno cũng là một trong những thành tích chứng minh sự nỗ lực đối với âm nhạc của mình.
Bình thường mới của bạn những ngày qua thế nào? Đã thực sự trở lại bình thường? Khi một số các hoạt đồng hàng quán, cafe vẫn chưa mở lại thì chúng ta làm gì đây? V2X thu thập được một vài các workshop sắp diễn ra cho những ai đang cần ra đường những chưa biết đi đâu làm gì nhé:
PLARN KNITTING WORKSHOP BỞI OBJOFF
Bạn đã lỡ thu thập quá nhiều túi nilon trong đợt lockdown vừa qua chỉ vì gọi giao đồ nhưng không thể tự mang túi của mình đến quán? Bạn đã giữ được kha khá túi nhựa từ lâu và bạn không biết làm gì với chúng? Workshop này là dành cho bạn đấy!
Thời gian: Chủ nhật 24/10, 13:00 – 16:00
Địa điểm: OBJoff, 73 đường số 4, Phường Thảo Điền, Quận 2
BƯỚC CHÂN ĐẦU TIÊN ĐẾN “KỲ”? “Kỳ” là triển lãm cá nhân đầu tay trong sự nghiệp nghệ thuật của Đài Trang ft. Octomundo . Và đó cũng là bước chân đầu tiên mà Trang muốn đưa mọi người đến và khám phá thế giới quan của cô trong dự án @cogidau.project.
Làm việc trong ngành quảng cáo và sáng tạo hơn 5 năm với vai trò Art Director, Đài Trang luôn đi tìm câu trả lời cho bản thân rằng làm thế nào để có thể đưa nghệ thuật gần gũi với khán giả đại chúng hơn? Làm thế nào để các thành phẩm sáng tạo thực sự có tác động tích cực đến thế giới xung quanh?
Sau khi tốt nghiệp thạc sĩ Thiết kế tại Vương quốc Anh với đề tài ‘Hình ảnh nữ giới trong quảng cáo’, Đài Trang đã tiếp tục triển khai các chủ đề được xem là khó nói và hạn chế ở nữ giới với triển lãm đầu tay. Và liệu “Kỳ” của Trang – sẽ dẫn lối chúng ta đến một thế giới ra sao?
Đài Trang
NHEO MẮT THẤY KỲ QUAN: Triển lãm “Kỳ” của Đài Trang từ dự án Có Gì Đâu nghe tưởng sẽ kỳ-quặc nhưng hoá ra lại đến thật… kỳ-cục-kẹo-ngọt. Qua triển lãm nghệ thuật “Kỳ”, Đài Trang không chỉ đưa những thông điệp của Có Gì Đâu đến gần hơn với mọi người, mà còn thề hiện góc nhìn sáng tạo của cô về những câu chuyện hay được dán nhãn ‘ngại ngùng’ ở nữ giới.Tại không gian triển lãm, dự án sáng tạo Có Gì Đâu thể hiện những vẻ đẹp của con gái dưới góc nhìn tự do, đa màu, kết hợp hiệu ứng từ 5 giác quan để đem lại trải nghiệm chiêm ngưỡng toàn diện nhất. Cùng chờ xem, ‘Kỳ’ sẽ diệu kỳ thế nào nhé!
Thời gian: bắt đầu từ ngày 25/10 – 7/11
Địa điểm: The Nutshell 58/12 Phạm Ngọc Thạch, p6, Q3, TP.HCM
3. CERAMIC WORKSHOP BỞI TOÒNG TENG
Hình ảnh từ workshop Ceramic của Toòng Teng
Ceramic Art – dáng hình từ đôi tay Làm gốm là một hoạt động bổ ích giúp chúng ta thư giãn , xả stress sau những giờ làm việc , học tập căng thẳng . Đến với buổi trải nghiệm làm gốm của nhà Tòong Teng – bạn có thể tự tay mình tạo ra những chiếc ly , chén , đĩa , … độc nhất vô nhị
Thời gian : 2 tiếng rưỡi
Thứ 2 – Thứ 6 : 13:00 – 15:30 / 15:30 – 18:00
Thứ 7 & Chủ Nhật : 10:00 – 12:30 / 13:30 – 16:00 / 17:00 – 19:30
Địa điểm: Tầng 2 – Tòa nhà 33/11 Lý Văn Phác. P Tân Định. Q1.
Hình ảnh thành phẩm từ workshop Ceramic của Toòng Teng
4. MOSAIC WORKSHOP BỞI TOÒNG TENG
Hình ảnh thành phẩm từ workshop Mosaic của Toòng Teng
Mosaic Art – sáng tác tranh khảm. Tưởng tượng mà xem, bạn sẽ bấm & nhặt từng mảnh ghép đủ màu, rồi xếp chúng lại sao cho khớp: “vẽ” ra những mảng màu lấp lánh – vừa thư giãn vừa kích thích cảm hứng sáng tạo. Rồi ta say mê, đắm chìm trong thế giới của những mảnh ghép đầy màu sắc … Chỉ sau vài tiếng, bạn đã có ngay một bức tranh siêu độc đáo rinh về nhà, hoặc làm quà tặng cho người thân, bạn bè . Thời gian : 3 tiếng rưỡi
Thứ 2 – Thứ 6 : 13:00 – 16:30/ 17:00 – 20:30
Thứ 7 & Chủ Nhật : 9:30 – 13:00/ 14:30 – 18:00
Địa điểm: 412/10 Nơ Trang Long Street. P13. Q. Bình Thạnh
