Category: Art

YếnNhi, cô gái gốc Việt đang sống và làm việc tại Amsterdam, cách đây không lâu, Yến Nhi đã hợp tác Nike Menswear x Patta cho 1 bộ phim tài liệu ngắn trong chiến dịch gần đây của họ. Cùng gặp gỡ Yến Nhi, tìm hiểu thêm cuộc sống của người con Việt trên nước bạn này cũng như những cố gắng của cô trong việc truyền bá về văn hoá Việt Nam với tất cả tình yêu thương của mình.

Chào Yến Nhi, hãy bắt đầu bằng phần giới thiệu về bản thân và những công việc hiện tại của bạn?

Xin chào, mình tên là Nhi, rất vui khi được gặp mọi người! Mình sinh ra và lớn lên ở Hà Lan và hiện đang làm người mẫu/ diễn viên
và nhà sản xuất phim tài liệu. Bên cạnh đó, Yến Nhi thực hiện các dự án cùng với đồng nghiệp và người bạn thân yêu của mình, Tessa, nơi bọn mình hướng tới việc quảng bá văn hóa Việt Nam.

Bạn đã học chuyên ngành gì và bạn có thể chia sẻ thêm về điều này?

Mình học ngành Dệt may & Quản lý Thời trang Quốc tế tại Amsterdam. Học viện thời trang là nơi Yến Nhi hiện đang thực hiện đồ án tốt nghiệp cuối cùng của mình. Trong quá trình học, mình đã học thêm về tính bền vững và cách thời trang tác động đến cộng đồng nơi sản xuất ra nó.

Bạn có vẻ là một người trẻ khá bận rộn với nhiều vai trò công việc khác nhau, bạn yêu thích điều gì ở mỗi tác phẩm của mình?

Kể từ khi còn trẻ, mình đã luôn có nhiều mối quan tâm khác nhau, bằng cách làm việc với tư cách là một người làm việc tự do, mình có cơ hội khám phá tất cả chúng và mình yêu thích điều này rất nhiều! Là một người mẫu kiêm diễn viên, mình phải làm việc trước ống kính và với việc làm phim tài liệu, mình học được rất nhiều điều về những gì diễn ra sau máy quay. Tất cả những điều này cùng nhau tạo ra sự hiểu biết 360 về những gì đang xảy ra và đó là chiều sâu mà mình tìm kiếm khi khám phá sở thích của bản thân.

Lịch trình hàng ngày của bạn là gì và đâu là nơi yêu thích của bạn lui tới, tại sao?

Các tuần của Yến Nhi diễn ra có thể khá thất thường, có những khoảng thời gian mình đi du lịch hoặc không, nhưng mình cố gắng cân bằng sự bất thường bằng cách có một thói quen buổi sáng nhất quán bao gồm thiền định và một tách cà phê ấm hoặc khi mình ở Việt Nam sẽ là nước giải khát. Gần đây mình cũng đã bắt đầu chia sẻ không gian studio nơi mình thực hiện các dự án riêng với các đơn quảng cáo khác. Bạn cũng có thể thường xuyên tìm thấy mình trên ‘Zeedijk’, China Town của Amsterdam cùng với bạn bè, nơi có hầu hết các nhà hàng châu Á yêu thích của mình, cũng như tất cả các thương hiệu thời trang dạo phố như Patta, Zeedijk60, The New Originals và Stüssy.

V2X rất tò mò về nguồn cảm hứng cho các tác phẩm sáng tạo của bạn, bạn sẽ cho chúng mình biết thêm về điều đó chứ?

Cách đây ít lâu, mình đã đọc một câu trích dẫn có nội dung như: “Tôi không phải là người “tự lập”. Tôi là do cộng đồng tạo ra, tôi được tạo nên bởi gia đình. Tôi được tạo ra từ đất. Tôi là do tổ tiên làm ra. Tôi được tạo thành từ tất cả mọi người và mọi thứ khiến tôi tồn tại ngay bên ngoài bản thân mình” – đây là một câu nói hay và mình hoàn toàn cảm thấy mình liên quan đến nó. Mình lấy rất nhiều cảm hứng từ những người xung quanh tôi, những người hầu hết là những người sáng tạo ở các nền văn hóa (subcultures) khác nhau. Mỗi người trong số họ đều truyền cảm hứng cho tôi theo một cách không thể so sánh được.

Bạn đã nói “Hòa nhập” và “Đa dạng” là 2 giá trị quan trọng đối với bạn, vì bạn kết luận điều đó ở đâu và khi nào về 2 giá trị này?

Sợi chỉ đỏ gắn kết mọi thứ mình làm với nhau là các chuẩn mực và giá trị của bản thân. Là một người da màu lớn lên ở Hà Lan, nơi không bao giờ có nhiều sự đại diện cho người châu Á, nhưng cũng không phải cho các cộng đồng BIPOC (các cộng đồng Da đen, Bản địa và Người da màu) khác. Tuy nhiên, điều này đang dần thay đổi và điều đó thật tuyệt vời. Vì vậy, bất cứ khi nào mình thực hiện một hợp đồng người mẫu, làm phim tài liệu hay thực hiện một dự án liên quan đến Việt Nam, mình luôn cố gắng đưa những giá trị đó vào nhiều nhất có thể.

Bạn cảm thấy thế nào khi trở thành một phần của chiến dịch Patta x Nike SportsWear vừa qua?

Phần đầu tiên mà mình tham gia là buổi ghi hình của phim tài liệu, nó có tên là “Waves Not Cycles”. Đây là chương đầu tiên trong loạt bài gồm bốn phần tập trung vào các làn sóng của cảm hứng sáng tạo và sự cộng tác. Trong phim ngắn, họ theo chân Abdul, một nhiếp ảnh gia nghiệp dư với công việc hàng ngày, mong muốn được sống với ước mơ của mình và trở thành một phần của làn sóng văn hóa tiếp theo. Hành trình mà Abdul có trong video giống hệt của mình.

Khi mình mới bắt đầu tham gia vào ngành công nghiệp sáng tạo và nghiên cứu thời trang, bố mẹ hoàn toàn không ủng hộ, mình nghĩ một phần là do họ nghĩ rằng mình chỉ đang làm những việc ngẫu nhiên. Họ lo lắng rằng những gì mình đang làm sẽ không đi đến đâu và sẽ thích mình trở thành một luật sư hoặc bác sĩ, thậm chí có thể là một nha sĩ. Tuy nhiên, mình luôn luôn đi theo trực giác, mặc dù đôi lúc mình không có ý tưởng rõ ràng về nơi mình sẽ được dẫn dắt đến. Nhi nhớ mình thức dậy vào ngày campaign được chính thức vận động và mình nghĩ mình đã khóc vì vui sướng và biết ơn ít nhất 4 hoặc 5 lần.

Sau đó, mình đến thăm cửa hàng nơi có tấm áp phích của mình và chiếc AM1 (Air Max 1) trên tường, mình đã cho bố xem và đó có thể là lần đầu tiên ông ấy nói rằng ông tự hào về mình. Bên trong của mình cảm thấy được nhìn nhận và được thấu hiểu hơn rất nhiều. Đây là dự án đã mang mọi thứ đến với Nhi.

Hãy chia sẻ với chúng mình về những gì bạn làm được trong chiến dịch này. Quá trình diễn ra như thế nào?

Chúng mình đã quay chiến dịch này vào tuần sinh nhật của Nhi và trời bên ngoài siêu nắng gắt. Khi mình đến phim trường, mình cảm thấy một năng lượng thực sự tốt. Toàn bộ đội ngũ của Patta đã ở đó, bao gồm cả đội đang chạy tại địa phương và những người đã bay đến từ London. Điều đáng nhớ nhất là những người mới mà mình đã gặp và ấn tượng họ để lại trong mình. Đặc biệt có một vài người; Josefine Ulrika, người về cơ bản có thể làm mọi thứ và đã có mặt ở vòng quay toàn diện. Bên cạnh đó, mình ngưỡng mộ Tirino Yspol, người đã stylist cho buổi chụp này nhưng cũng là người mẫu của chiến dịch. 2 người mẫu Stacii và Ismail, họ luôn tạo năng lượng và động lực nhiều hơn cho việc họ làm sẽ truyền cảm hứng cho bạn ngay lập tức.

Đầu tiên chúng mình quay chiến dịch ở Amsterdam tại nhiều địa điểm, sau đó tất cả phải bắt xe đến địa điểm tiếp theo. Nhi nhớ mình đã rất mệt mỏi, đến nỗi cả Ismail, người mẫu của phần thứ hai của AM1 và mình đều chợp mắt một lúc lâu. Khi đến nơi, mình đã cố gắng đánh thức anh ấy nhiều lần nhưng anh ấy không chịu thức dậy luôn haha, mình thậm chí còn phải nhờ người đánh thức anh ấy. Mình đoán anh ấy thực sự cần 1 giấc ngủ ngắn lúc đó!

Bạn yêu thích phong cách thời trang nào? Có local brand nào ở Việt Nam mà bạn thích và cảm thấy phù hợp với phong cách của mình không?

Cách đây ít lâu, Nhi tình cờ nhận được một dự án có tên là “Comission 1986” nơi bạn có thể tìm thấy hình ảnh mà mọi người biết đến, đó là một bộ sưu tập nói về câu chuyện của các bà mẹ châu Á. Dự án này là một phần của thương hiệu “Comission” lấy cảm hứng từ những bộ quần áo mà các bà mẹ đi làm ở châu Á từng mặc vào những năm 80 và mình bị ám ảnh bởi nó. Mình đặc biệt yêu thích bộ sưu tập menwear, những chiếc áo khoác, áo sơ mi và suit được cắt may đẹp mắt; Ái chà!

Cộng đồng người Việt ở Amsterdam như thế nào? Bạn có thể nói về một số hoạt động cộng đồng mà bạn tham gia?

Cộng đồng người Việt tại Hà Lan không quá lớn, nhưng có chúng mình ở đây, chắc chắn là như vậy! Khi Nhi còn nhỏ, có rất nhiều cộng đồng mở các cuộc tụ họp mà bố mẹ mình có thể đến. Đây là nơi Nhi đã gặp một số trẻ em Việt Nam vào thời điểm đó. Cảm giác mà mình có được khi tham gia những buổi tụ họp đó là sự thân thuộc và kết nối. Cảm giác này sẽ được tái hiện tại một sự kiện sắp tới. Tò mò chứ? Đọc thêm nhé!

Bạn có nghệ sĩ nào yêu thích ở Việt Nam không?
Nhờ sức mạnh của Instagram, Nhi đã gặp một vài creator Việt Nam, một trong số họ là Trương Trọng Tân, anh là một người quay phim, nhà làm phim và đạo diễn hình ảnh. Anh từng thực hiện dự án Biti’s Hunterstreet x Vietmax về Hà Nội. Bài thơ trong video khiến Nhi xúc động và làm mình rất tò mò muốn trải nghiệm Hà Nội.

Người mà mình cũng thấy vô cùng thú vị là @vickivirus, nhà thiết kế cũng là người sáng lập La Lune. Cả hai đều khiến Nhi cảm thấy rất tự hào là người Việt Nam.

Có dự án nào của bạn lấy ý tưởng từ Việt Nam không? Chúng ta có thể cùng lại xem một số hình ảnh hoặc video về dự án đó?

Một trong những dự án liên quan đến Việt Nam đầu tiên mà Nhi thực hiện là bộ phim tài liệu “Scars of Wars” và mình đã hợp tác cùng với đạo diễn, biên tập và nhà sản xuất phim Orihana Calcines. Bộ phim tài liệu nói về cha của Nhi và cuộc hành trình của ông ấy là một người tị nạn chiến tranh. Phim tài liệu cũng nói về sự lớn lên và quá trình phát triển ở Hà Lan với tư cách là một phụ nữ Việt Nam và cuộc đấu tranh đi kèm với điều đó.

Hiện tại, Nhi đang thực hiện đồ án tốt nghiệp cuối cùng của mình, nơi Nhi đang nghiên cứu môi trường lao động của công nhân may ở Việt Nam hiện nay. Bối cảnh thời trang của Việt Nam vô cùng sôi động, vì có những thương hiệu mới nổi nhưng ở góc độ sản xuất cũng có rất nhiều điều xảy ra. Nghiên cứu là một phần trong dự án tốt nghiệp của mình và trong phần hai của dự án, mình sẽ viết kịch bản cho một bộ phim tài liệu. Trong bộ phim tài liệu, mình muốn cho thế giới thấy nền công nghiệp sản xuất và thời trang đa dạng của Việt Nam và những con người làm việc trong đó.

Bạn nhớ điều gì nhất về Việt Nam?

Thành thật mà nói, Nhi nhớ Việt Nam mọi lúc. Dù đi du lịch ở đâu, mình luôn tìm kiếm cộng đồng người Việt ở những nơi đó. Cho dù đó là một nhà hàng hay cà phê, Nhi cần kết nối với cội nguồn của mình rất mạnh mẽ. Nhưng nơi đầu tiên mình sẽ đến khi về Việt Nam là quê hương của bố mẹ, Huế. Nhi sẽ đi thăm ông bà của tôi và ăn vô số
bánh nậm, bánh bèo và bánh ít ram. Nếu được cho phép, mình rất muốn được về ăn Tết và ăn tết cùng tất cả gia đình và bạn bè.

Bạn hãy chia sẻ tiếp về dự án tiếp theo của mình nhé

Đồng nghiệp và người bạn thân yêu của Nhi, Tessa Yen và mình đang làm việc trên một sản phẩm mới dự án cộng đồng cùng với Eye Film Institute, một bảo tàng phim ở Amsterdam. Vào cuối tháng 11, chúng mình sẽ tổ chức một sự kiện, nơi bọn mình sẽ thảo luận về các chủ đề liên quan đến cộng đồng chẳng hạn như trở thành thế hệ thứ hai của Việt Kiều ở Hà Lan và việc trở thành một “cycle breaker” trong gia đình. Đây là một sự kiện miễn phí và chắc chắn sẽ rất hữu ích! Bạn có thể tìm thêm thông tin trên @maimaicollective.

Cuối cùng, hãy gửi tới các bạn trẻ đang đọc bài phỏng vấn này một thông điệp về năng lượng tích cực mà các bạn thích.

“Ngày bạn gieo hạt không phải là ngày bạn ăn trái. Hãy luôn làm theo trực giác của bạn, điều này sẽ đưa bạn đến chính xác nơi bạn cần đến.”

Khi nghệ thuật đường phố trở thành không gian ảo

Dự án nghệ thuật đường phố theo mô hình pop-up là dự án đầu tiên của Wabi-sabi Creative mang tên “Urban Layers” sẽ đại diện các tác phẩm đến từ nhóm nghệ sĩ Graffiti Wallovers và nhiếp ảnh gia đường phố Vy Lam. Triển lãm là công cụ thúc đẩy sự phát triển nghệ thuật đô thị (Urban art) bằng cách thêm vào những màu sắc, âm thanh sống động cùng các đặc trưng văn hóa để biến đổi phố thị Việt Nam qua góc nhìn rất cá nhân của từng nghệ sĩ. Mục tiêu của các nghệ sĩ là đem những thực hành về nghệ thuật đường phố tiếp cận rộng rãi hơn với đại chúng, sau cùng để lại thông điệp về niềm vui như một liều thuốc tinh thần trong giai đoạn khó khăn này.

Dựa trên mô hình triển lãm pop-up, Thực tế ảo tăng cường (AR) sẽ được kết hợp sử dụng trong không gian vật lý, được tương tác bằng điện thoại thông minh hoặc máy tính bảng. Điều này cho phép người tham dự xem các tác phẩm không chỉ giới hạn ở bề mặt truyền thống mà còn được trải nghiệm một môi trường mới bằng tương tác và âm thanh. Tuy nhiên, việc biến triển lãm vật lý thành một “phòng xem trực tuyến” đặt ra những thách thức mới khi cần đến các phương pháp khác mô phỏng lại trải nghiệm thực tế ảo tại chính phòng triển lãm, nhằm duy trì kết nối với khán giả tương tự như xem các tác phẩm nghệ thuật trực tiếp.

Những người đằng sau 𝐖𝐚𝐛𝐢-𝐒𝐚𝐛𝐢 Creative:
Hướng đi chính của Wabi-Sabi vẫn nghiêng về quản lí và hỗ trợ nguồn lực, tức là tìm ra những người phù hợp cho các dự án; từ nghệ sĩ 3D, nghệ sĩ đồ họa, biên tập phim, nhiếp ảnh gia, đến nhà sản xuất âm nhạc và các cây viết – những nguồn lực sáng tạo trẻ tại Việt Nam cần được thúc đẩy. Mục tiêu lớn hơn là nuôi dưỡng đồng thời phát triển, kết nối họ với các dự án nghệ thuật mới. Tất cả những điều này hướng đến việc mở rộng tiềm năng ảnh hưởng của nghệ thuật đương đại Việt Nam cũng như các không gian văn hóa sáng tạo.

Kim Huỳnh đưa ra ý kiến: “Sẽ không lâu nữa, ngành công nghiệp sáng tạo tại Việt Nam sẽ là động lực mạnh mẽ cho việc tăng trưởng kinh tế cũng như những phát triển bền vững về xã hội và văn hóa. “Để thu hút đúng đối tượng, các thương hiệu phải phát triển để đáp ứng với chuyển đổi kỹ thuật số.” Trọng tâm của cô là tiếp tục phát triển các câu chuyện bằng hình ảnh cùng những nội dung kỹ thuật số khác – khám phá các phương pháp kể chuyện mới để nắm bắt sự ảnh hưởng của nghệ sĩ và đẩy mạnh tiềm năng của họ.

Hơn nữa, Trâm Bùi sẽ tiếp tục chọn việc phát triển cùng các nghệ sĩ Việt Nam, đưa tiếng nói của nghệ sĩ trẻ đến môi trường quốc tế thông qua việc tìm kiếm các cơ hội tiếp cận khoản tài trợ từ chính phủ và các thương hiệu. Là một nghệ sĩ thị giác, cô hiểu việc nhiều nghệ sĩ trẻ tại Việt Nam vẫn thiếu đi những cơ hội tiếp cận nhiều phương diện của nghệ thuật. Do đó, cô có niềm tin mạnh mẽ vào việc hỗ trợ ngành công nghiệp này và mong muốn trở thành một giám tuyển không gian đương đại trong tương lai.

Mục tiêu tương lai của Wabi – Sabi:

Tầm nhìn tổng thể của Wabi-Sabi hướng đến kết nối các nhóm khán giả mới phản ánh thế hệ hiện tại – nơi nghệ thuật đồng hành cùng công nghệ. Sau khi đại dịch được kiểm soát, Wabi-sabi Creative sẽ có kế hoạch tổ chức nhiều triển lãm nghệ thuật pop-up hơn với sự hỗ trợ từ local brand như Bitis Hunter và Hades. Trâm Bùi cũng đưa ra ý kiến rằng: “Chúng tôi sẵn sàng hướng đến New media Art chứ không chỉ giới hạn ở các chất liệu truyền thống – việc trưng bày phiên bản số hóa của các tác phẩm từ nghệ sĩ là tiêu chuẩn mới sau đại dịch”.

Rõ ràng COVID đã trở thành chất xúc tác cho quá trình chuyển đổi kỹ thuật số ở tất cả các ngành công nghiệp lớn nhỏ và chúng ta cần phải học cách thích nghi. Khi công nghệ trở thành cầu nối giữa thế hệ Z và thế hệ Millennial, việc đầu tư và tiêu dùng sẽ trở nên nhiều hơn đối với các hoạt động và chương trình nghệ thuật. Các nền tảng do Wabi-Sabi tạo ra chắc chắn cần sự hỗ trợ từ cộng đồng trong việc xây dựng cơ sở hạ tầng sáng tạo tương lai để mọi người cùng phát triển và tận hưởng từ khởi đầu này.

𝐒𝐓𝐎𝐑𝐘: 𝐏𝐑𝐄𝐒𝐄𝐑𝐕𝐈𝐍𝐆 𝐁𝐄𝐀𝐔𝐓𝐘 𝐈𝐍 𝐀 𝐌𝐎𝐌𝐄𝐍𝐓 𝐓𝐇𝐀𝐓 𝐂𝐀𝐍’𝐓 𝐋𝐀𝐒𝐓

Không có gì tồn tại hay hoàn thiện mãi mãi và không có gì là hoàn hảo…

Cuộc sống đáng trân trọng bởi nó có kết thúc, điều này liên hệ trực tiếp đến tính thẩm mỹ về sự nhất thời – một trong những đặc trưng của nghệ thuật đường phố: các tác phẩm sẽ “chết đi” theo thời gian bởi các tác động tự nhiên. Bản chất của nghệ thuật đường phố là được tạo ra để tồn tại trong một khoảng thời gian ngắn, cho phép chúng ta đánh giá vẻ đẹp các tác phẩm bằng cách chấp nhận chu kỳ trong tự nhiên cũng như suy tàn – đây đồng thời cũng là triết lý cốt lõi đằng sau Wabi-Sabi. Ý tưởng về triển lãm nghệ thuật pop-up mang lại trải nghiệm liên tục và hiệu quả khác nhau so với các điểm đến truyền thống cố định. Điều này sẽ tạo ra những cộng đồng mới kết nối với người nghệ sĩ; đồng thời kể những câu chuyện khác nhau với những mục tiêu khác nhau (thay đổi địa điểm cùng tệp người tham dự). Wabi-sabi cũng thay đổi cách giám tuyển truyền thống sang việc hỗ trợ nghệ sĩ có thể chọn ra branding của chính mình.

Trải qua một năm khi tất cả chúng ta đều phải ở nhà vì đại dịch COVID, những người sáng lập Wabi-Sabi Creative – Kim Huỳnh và Trâm Bùi – đã quyết định tập trung vào nghệ thuật đường phố cũng như sự phát triển của Hip-hop Việt Nam khi nhìn thấy tiềm năng tương lai của những thực hành này. Vì thời điểm khó kiểm soát của bệnh dịch, Wabi-sabi Creative đã không thể bắt đầu dự án đầu tiên bằng những cảm nhận thị giác trực tiếp như dự định ban đầu mà đã quyết định thay thế phòng trưng bày vật lý bằng việc chuyển đổi thành tham quan studio và triển lãm ảo. Dù COVID đã đem đến những hạn chế nghiêm trọng trong tính chất của triển lãm và tương tác của người tham dự theo cách thông thường nhưng đồng thời đây cũng là một khởi đầu mới cho Wabi-sabi Creative khi chuyển không gian triển lãm sang những khám phá ảo.

𝐔𝐑𝐁𝐀𝐍 𝐋𝐀𝐘𝐄𝐑𝐒 𝐄𝐗𝐇𝐈𝐁𝐈𝐓𝐈𝐎𝐍 𝐀𝐑𝐓𝐈𝐒𝐓 𝐁𝐈𝐎:

𝐳𝐤𝐡𝐨𝐚 – Wallovers

zkhoa sinh năm 1995, là một nghệ sĩ trẻ đang sinh sống tại Sài Gòn. Hầu hết các thực hành của anh xoay quanh nghệ thuật đường phố, đặc biệt là Graffiti. Bên cạnh phát triển những dự án cá nhân, zkhoa còn là thành viên sáng lập nhóm Wallovers, một tập hợp những người trẻ cùng chung định hướng, mong muốn mang nghệ thuật đường phố rộng rãi đến đại chúng trong tương lai gần.Là người gốc Hoa, sinh ra và lớn lên tại quận 8, Sài Gòn; zkhoa đã nhìn thấy những khía cạnh văn hóa đặc trưng trong khu vực anh cư trú từ rất sớm. Tuy nhiên, không áp đặt góc nhìn tiêu cực, zkhoa chỉ phản ánh và sử dụng những điều này làm trung gian cho các cảm hứng nghệ thuật.

Mối quan tâm của zkhoa xoay quanh những diễn giải nội tâm và cuộc sống thường nhật. Các tác phẩm của anh xuất phát từ tư liệu đời thường, được đưa về các mảng hình và mảnh nhỏ rồi thay thế, biến đổi nó trở thành những phom dạng mới. Không dừng lại ở bề mặt truyền thống, anh giữ một sự yêu thích nhất định với Digital art và sử dụng chất liệu này như một công cụ khác để bày tỏ góc nhìn cá nhân. Hầu hết các tác phẩm của zkhoa mang một đặc trưng chung về thị giác: chuyển hoá – phân mảnh – tái cấu tạo. Anh yêu thích bóc tách những khối vật thể, đưa nó về một cấu trúc mới và được anh gọi là mảng hình trung gian. Có hai loại mảng trung gian chính trong các tác phẩm của zkhoa: “hình vô cơ” và “hình hữu cơ”. Theo anh, những mảng hình trung gian này là cầu nối giữa cái “hiện diện chân thực” và “hiện diện ảo”, đi từ những sự thật có thể nhìn thấy, cảm nhận cho đến sự thật không thể nhìn thấy hay cảm nhận – “những mảng hình này là nguyên liệu quan trọng để tôi tái tạo lại thế giới của riêng mình. Tính chất cầu nối của nó có vai trò như số phức trong toán học”, trích lời zkhoa.

zkhoa tin rằng việc sao chép tự nhiên không phải là công việc “tối thượng” của nghệ thuật mà góc nhìn của người nghệ sĩ mới là câu chuyện cần được để tâm. Đối với anh, một tác phẩm tốt cần có tính “đồng sáng tạo”; nó không kết thúc ngay sau khi người nghệ sĩ hoàn thành mà luôn biến đổi, âm ỉ, chết đi hoặc hồi sinh theo từng góc nhìn của mỗi người xem. Các tác phẩm trong không gian triển lãm “Urban Layers” được phân tầng, tạo ra sự tương phản các khung nhìn văn hóa đậm tính cá nhân của từng nghệ sĩ.

Đối với zkhoa trong triển lãm lần này, anh nhìn thấy những khía cạnh chân thực nhất của “rat race” (cuộc đua chuột), một sự truy đuổi không hồi kết của vật chất và mưu sinh để tồn tại. Anh kể về sự hối hả, hy vọng vào con số trước 4 giờ chiều. Một cuộc chạy đua khỏi “đáy xã hội” và những hiện thực có xu hướng bị chối bỏ: vấn đề vay nặng lãi, cờ bạc, rượu chè… Tuy nhiên, zkhoa đã tổng hòa những khía cạnh tiêu cực, chuyển hóa nó thành cuộc phiêu lưu đầy màu sắc và một phần nguyên liệu của cái đẹp. Các nhân vật đại diện không chỉ xuất hiện và kể câu chuyện đường phố mà còn là nơi “nương náu” cho mỗi giai đoạn phát triển của zkhoa – chồng chéo, nhiều hỗn loạn.

CRESK – CRESK

Cresk (Nguyễn Tấn Lực) sinh năm 1997, là một nghệ sĩ trẻ đang thực hành nghệ thuật tự do và là đồng sáng lập của nhóm nghệ sĩ Wallovers. Từng theo học chuyên ngành về Thiết kế đồ họa tại trường Đại học Mỹ thuật TP.HCM và Văn Lang, Cresk vẫn chọn theo đuổi Graffiti và đưa nó trở thành thực hành chính của mình.

Nguồn cảm hứng của Cresk thường đi từ những điều dung dị nhất. Anh chắt lọc những sự thật luôn hiển lộ từ đời sống văn hóa và đưa nó vào các tác phẩm. Cách làm nghệ thuật của Cresk khá tỉ mẩn. Anh bóc tách những nguồn năng lượng tích cực qua những con người, sự việc, sự vật đã quan sát; sau đó xem xét, cuối cùng mới phản chiếu những điều đó vào thực hành mình.Nằm cốt lõi trong những mối quan tâm của Cresk là hình tượng của người phụ nữ. Thông qua hình tượng này, anh chất vấn những ý niệm về tính nữ, tìm cách tái tạo lại những trải nghiệm cảm xúc đời thường của họ trong góc nhìn của mình.

Người phụ nữ xuất hiện trong thế giới của Cresk không ủy mị mà trở thành trung tâm, không khuất dạng mà được tôn vinh bởi những “quyền năng” họ đang nắm giữ. Trong triển lãm “Urban Layers”, các tác phẩm của Cresk lần nữa gợi lại góc nhìn và sự ngưỡng mộ của mình đối với người phụ nữ Việt. Hình tượng Á đông quen thuộc từ chiếc nón lá đến tà áo dài giờ đây được Cresk tái hiện ở hình thức mới; qua lăng kính của nghệ thuật đường phố lồng ghép những yếu tố tôn giáo. Trong mường tượng của mình, người phụ nữ của anh nổi bật và thoát khỏi những ý niệm, định kiến cũ. Người phụ nữ đã xuất hiện hoàn toàn tự chủ, không phụ thuộc và có quyết định đối với chính mình. Cô ta mang năng lượng của sự thay đổi, đồng thời được cấy ghép những niềm tin “tâm linh” khi có khả năng thực hiện những điều không thể. Cresk thực hành những chất liệu khác nhau cho lần triển lãm này, bao gồm tác phẩm thị giác và sculpture.

Các tác phẩm thị giác có xu hướng kể đến những trải nghiệm đắm chìm trong cảm xúc của người phụ nữ, mời gọi người xem di chuyển và nhìn vào tâm trí của họ. Đối với các tác phẩm sculpture, ý niệm người nữ xuất hiện táo bạo hơn khi mở rộng cuộc hội thoại về chính họ và hình hài văn hóa mới.

Thông tin chi tiết của triển lãm sẽ được cập nhật trên V2X, các bạn hãy đón xem nhé.

Willo Perron là set designer đằng sau chương trình Savage x Fenty Vol .3, được công chiếu trên Amazon Prime vào tuần trước. Perron, là người làm việc từ phiên bản đầu tiên và thứ hai của chương trình, và đã hợp tác với nhiều bên để giúp Rihanna nhận ra tầm nhìn của mình để biến các buổi trình diễn Savage x Fenty thành một sự kiện lớn kết hợp thời trang, biểu diễn và nghệ thuật.

Trong buổi trình diễn thứ ba, Perron tập trung vào khách sạn Westin Bonaventure, một công trình kiến ​​trúc ở trung tâm thành phố Los Angeles được thiết kế bởi John C. Portman Jr. vào năm 1974. Perron nói rằng mục tiêu của ông là thể hiện vẻ đẹp của kiến ​​trúc mà không cần bổ sung trang trí.

Perron chia sẻ: “Vẻ đẹp của tòa nhà này chính là sự vĩ đại vốn có này. Hợp lý cho việc láp đặt thiết bị máy chiếu phát video v.v. Tôi luôn cố gắng hạn chế mọi người gợi ý những thứ như là: ‘Này, hãy thêm pyro đi.’ Nhưng tôi cảm thấy chúng ta cần để cho không gian và kiến ​​trúc nguyên bản và tập trung vào những thứ tinh tế như màu sắc đậm đà và đầy cảm xúc. ”

Tại đây, Perron, người được biết đến với công việc của mình với các nghệ sĩ bao gồm Kanye West, Drake và Jay-Z, nói về những gì anh ấy muốn làm khác biệt cho Vol. 3 cho thấy, Rihanna thách thức anh ấy như thế nào và tầm quan trọng của việc diễn giải lại các tài liệu tham khảo (thay vì sao chép chúng chính xác).

Quá trình bắt đầu như thế nào? Và bạn được giao nhiệm vụ hoàn thành gì cho Savage x Fenty Vol. 3?
“Điều này thật sự khó nói. Tôi còn nhớ buổi đầu tiên họ đã thực hiện một buổi shooting ở Morocco. Vì vậy, tôi đã nghiên cứu kiến ​​trúc ở Địa Trung Hải và Nam Âu và Bắc Phi và họ đều có sự liên kết với nhau vì văn hoá họ rất gần gũi. Cho nên với số đầu tiên đã bị định hướng bởi campaign trước khi tôi tham gia. Cho show thứ 2, tôi đã nghiên cứu kỹ bộ sưu tập và các danh mục khác nhau của nó. Có cái thì nhiều hoa văn, có cái tối hơn, có cái sexy hơn. Ban đầu tôi có ý định làm “một ngày sống cùng Rihanna”, nhưng mà kiểu phiên bản giả tưởng của việc Rihanna đi vào văn phòng hằng ngày, cho nên tôi đã chọn cảnh nhà máy và công việc vận chuyển với Travis Scott ở cuối. Cuối cùng tôi đã lấy cảm hứng từ bộ sưu tập pha trộn với thế giới tưởng tượng này và biểu diễn quá trình thiết kế và sản xuất.

Chúng tôi đã thay đổi từ mỗi định dạng, vì vậy tôi nghĩ chúng tôi nên tiếp tục làm điều đó và đi vào vị trí lần này. Tôi bắt đầu nghĩ về những địa điểm yêu thích của mình ở LA và chúng tôi đã ghi lại ba hoặc bốn địa điểm và thu hẹp nó xuống Khách sạn Bonaventure. Và nó đã trở thành nhân vật trung tâm của chương trình.”

Bạn đã thấy cấu trúc này thường xuyên. Bạn đã bao giờ tưởng tượng mình sẽ sử dụng nó theo cách này chưa?
“Ồ, hoàn toàn không. Điều thú vị ở nơi đó là tôi luôn thực sự yêu thích các tòa nhà. Nhưng tôi luôn luôn nói rằng, “Thật tuyệt nếu có thể làm lại nó và đưa nó trở lại thời hoàng kim trước đây.” Và khi chúng tôi quyết định quay chương trình ở đó, nó giống như, “Ồ, tuyệt, chúng tôi phải đưa nó trở lại vinh quang trước đây nhưng theo một cách sân khấu hơn.”

Bạn đã nói rằng khi bạn thiết kế không gian, bạn muốn tạo ra một số loại cảm xúc. Bạn đang cố gắng tạo ra cảm xúc gì với cấu trúc này?

“Các bức ảnh chụp cũng thực sự bổ sung cho mọi thứ.
Chà, vẻ đẹp của tòa nhà này là có sự hùng vĩ vốn có này. Nó thực sự là loại bóng bẩy và quá trớn. Sẽ rất dễ dàng để thêm các phần trình chiếu và video và như thế, tất cả những loại gags này. Điều của tôi chỉ là luôn rút lui khỏi mọi người kiểu như, “Này, hãy thêm pyro.” Nhưng tôi cảm thấy rằng chúng ta cần để không gian và kiến ​​trúc như vậy và tập trung vào những thứ tinh tế như màu sắc bão hòa sâu. Và còn rất nhiều điều đang diễn ra. Có rất nhiều người và vũ đạo nên nó không cần phải được cố trang hoàng. Nó chỉ cần là một khung cảnh đẹp.”

“Vì vậy, phần lớn là về sự tiết chế, điều này thật buồn cười khi nói về chương trình phô trương này. Và, điểm thứ hai trong việc này là có thể chơi với quy mô lớn. Giống như cảnh quay tuyệt đẹp ở phía trên cây cầu, sử dụng tòa nhà làm bối cảnh, và những mái vòm đồ sộ này. Và chúng tôi đã có được những bức ảnh 360 độ bằng drone này giúp khuếch đại quy mô của buổi biểu diễn.”

Chúng tôi thích cách tất cả các bạn sử dụng rất nhiều phần khác nhau của không gian và có thang máy như loại không gian chuyển tiếp này. Có câu chuyện nào bạn muốn kể về khách sạn / không gian không?

“Chúng tôi bắt đầu với một câu chuyện nhẹ nhàng. Tôi luôn thích những bộ phim giống như ban đêm và bạn thấy rất nhiều cảnh ở trung tâm thành phố và rất nhiều ánh sáng bão hòa. Nhưng không bao giờ có nghĩa là một câu chuyện tường thuật theo nghĩa đen. Và tôi muốn nó ở trong một không gian huyền ảo. Tôi không muốn nó giống như đây là một khách sạn. Nó có thể là bất cứ điều gì. Và tôi muốn chia tay mọi thứ bằng những khoảnh khắc thân mật này với một người duy nhất. Vì vậy, đó là nơi xuất hiện việc sử dụng thang máy và các họa tiết. Nó giống như một thiết bị thay đổi nhịp độ trong suốt chương trình.”

Cũng rất thú vị khi thấy mỗi người biểu diễn trong các bối cảnh rất khác nhau. Giống như Nas biểu diễn trên sân khấu lớn đó, và sau đó Normani biểu diễn trong chiếc hộp màu đỏ, và sau đó là Lourdes [Leon] là trên giường. Bạn có quyết định về thiết kế không gian cho mỗi nghệ sĩ không?
“Chúng tôi xây dựng tất cả những thứ này và chọn vị trí và thời điểm mọi người tham gia chương trình và điều gì có ý nghĩa cho mỗi bản nhạc. Đây không giống như một chương trình trao giải nơi ai đó sẽ đến và thực hiện công việc sản xuất của họ. Mọi người được tích hợp vào chương trình hiện có. Vì vậy, những chiếc hộp nhỏ được dùng để trở thành loại họa tiết trang trí mặt tiền cửa hàng mà chúng tôi đã nghĩ đến. Vì vậy, đó là hai đoàn tàu chuyển động đồng thời, dành cho việc tìm ra ai đang biểu diễn và điều đã diễn ra hiệu quả khi chúng tôi đang xây dựng chương trình thực tế.”

Tôi không biết bạn phê bình công việc của mình như thế nào, nhưng nhìn lại hai chương trình còn lại, bạn có muốn làm khác đi không? Bạn có thấy điều gì bạn không thích không?
“Tôi là người chỉ trích nhất mọi thứ tôi làm và tôi thích, không có khả năng nhận được lời khen và luôn có hơn 500 điều mà tôi lẽ ra phải thay đổi. Vì vậy, thành thật mà nói chương trình đầu tiên rất thú vị vì chúng tôi đã thay đổi hình thức của nó. Đó là một loại biểu diễn kết hợp giữa buổi hòa nhạc và trình diễn thời trang và chúng tôi đã thực hiện nó trong một lần chạy. Tôi nghĩ rằng chương trình thứ hai muốn làm quá nhiều. Và giống như, đây là sáu giao diện khác nhau. Và nó gần giống như định hướng nghệ thuật đã quá xuất hiện trong mọi thứ khác mà nó muốn làm. Và tôi nghĩ rằng đó là một bài học cho tất cả mọi người vì chúng tôi đã thực hiện chương trình đầu tiên và chúng tôi đã nói: “Tuyệt vời, chúng ta hãy làm lớn hơn nữa”. Và lớn hơn, đôi khi nó có nghĩa là nhiều hơn nữa. Và tôi nghĩ điều tôi hài lòng về chương trình thứ ba là sự tiết chế, giống như là “chúng ta hãy rút lui chứ không phải làm nhiều thứ và cố làm việc nhiều hơn trên những thứ tinh tế sẵn có. Tôi nghĩ rằng đó thực sự là bài học từ chương trình một và hai. Chúng tôi muốn làm việc trên những hình tượng độc đáo hơn cho những thứ này để mọi người không phải đưa ra quyết định đâu là phần hay nhất của chương trình.”

Rihanna thách thức bạn như thế nào?
[Cười.] “Uh, anh bạn. Tôi nghĩ rằng trên quy mô này và trong thế giới mà chúng tôi đang làm việc vốn dĩ có sự cạnh tranh nhưng là với chính mình nhiều hơn. Vì vậy, chúng tôi vừa hoàn thành 1 phần và tôi đã nói, “Chúng ta sẽ làm gì tiếp theo?” Làm thế nào để chúng ta phát triển thứ này và làm cho nó tốt hơn? Và như, điều mà tôi không thích là gì và làm cách nào để chúng ta chỉnh sửa điều đó một cách tự nhiên? Và bạn biết đấy, cô ấy và tất cả những người khác tham gia đều mong đợi ngày càng nhiều hơn và tốt hơn. Đó là một thử thách liên tục.”

Bạn có thách thức Rihanna?
“Ồ, liên tục. Toàn bộ con người của tôi là đặt mọi người vào những nơi hơi khó chịu hoặc những nơi mà họ không nghĩ đến và đó là những gì tôi làm.”

Hãy nói về tài liệu tham khảo. Bởi vì trong chương trình Savage x Fenty, bạn đã nói về những bộ phim như phim Heat và Busby Berkeley như những điểm tham chiếu. Có rất nhiều lời bàn tán về cách mọi người diễn giải các tham chiếu hoặc đôi khi sao chép chúng một cách chính xác. Bạn nghĩ gì về nó? Làm thế nào để bạn tìm đến các tài liệu tham khảo mà không quá hoài cổ?
“Bạn đang chạm vào một chủ đề rất gần gũi và thân thương. Tôi nghĩ xu hướng là cái chết của sự sáng tạo. Tôi nghĩ rằng thương hiệu của mọi người đều làm một điều gì đó ở trong cùng một thời điểm và cùng một thứ, và điều đó khiến mọi thứ thực sự, thực sự không thú vị. Điều gì đang xảy ra và bạn đã muốn đưa nó lên Instagram, đó là mọi người đang có nhu cầu rất cao và muốn được yêu thích, rằng mọi người đều đang làm điều phổ biến. Và tôi nghĩ rằng nếu bạn muốn làm những điều thú vị, bạn phải không nổi tiếng và bạn phải đi ngược xu hướng. Và thời trang bị ảnh hưởng bởi điều này rất nhiều. Và một trong những lý do khiến tôi không làm việc trong lĩnh vực thời trang là vì tôi không thực sự tin vào cỗ máy xu hướng…

Và tôi nghĩ rằng cảm hứng nên đến từ cảm xúc. Nó giống như, bạn đang phản ứng với điều gì? Đó có thể là album ảnh của bà bạn và bạn nhìn thấy một bức ảnh và nó là thứ mang lại cho bạn vô số cảm xúc và đó là điều cá nhân đối với bạn và cách bộ lọc thông qua bạn rất quan trọng. Và điều quan trọng là mọi người hãy để những phản ứng và cảm xúc riêng của họ là thứ xuất hiện từ bạn. Nếu bạn kết hợp bức ảnh bạn nhìn thấy ở nhà của bà mình với những thứ khác, tất cả sẽ thành một thứ. Và điều quan trọng cũng cần biết là thực hiện từng việc một. Giống như ai cũng đang làm, “Tôi đến Motown và tôi sẽ mặc đồ đó và hát các bài hát của Motown”. Làm điều đó luôn có cảm giác giống như một bức tranh biếm họa và hề hề và tham chiếu quá rõ ràng, dễ đoán và bạn không thể tiến lên phía trước.”

Trong một cuộc phỏng vấn và bạn đã nói một hình ảnh của Junior M.A.F.I.A. đã truyền cảm hứng cho buổi biểu diễn iHeart Music Awards “Bitch Better Have My Money” của Rihanna vào năm 2015. Bạn có thể nói về điều đó như một sự tham khảo không?
“The Junior M.A.F.I.A. – tham chiếu cho chiếc trực thăng, khoảnh khắc đó ở đoạn rap giữa thập niên 90, New York, giống như độ cao của sự dũng cảm, bạn biết đấy, nghĩ đến tinh thần thể hiện trong con người như thế nào, sau đó là di chuyển như thế nào? Và rồi, bạn sẽ thể hiện điều đó như thế nào trong một khung cảnh duy nhất và trong hai giây… bạn sẽ có được sự dũng cảm.

Và nó giống như, bạn biết đấy, tôi không biết ai đã từng đưa trực thăng lên sân khấu trước đây. Hãy để tôi xem liệu tôi có thể biến điều đó thành hiện thực không. thặt sự bản thân nó đã là một bước đi khôn ngoan rồi. Bài diễn cũng hỗn tạp như chính bài hát vậy. Nó có cùng sự dũng cảm với Junior M.A.F.I.A. nhưng tôi không muốn làm điều đó kiểu giống 1:1. Điều quan trọng là nó không trở thành hài cổ điển, và rằng tất cả chúng tôi đang cố gắng ăn mặc sao cho giống Aaliyah và tạo ra những bài hát giống cô ấy hoặc rằng chúng tôi đang cố gắng trở thành ‘thập niên 90’ blah blah blah. Nhưng bạn chắc chắn thấy rất nhiều những người làm theo cách như vậy. Mọi người đều đang làm những video hoặc bìa album throwback này và tôi thấy chúng thật tệ vì chúng không thú vị cho lắm. Bởi vì họ không phát triển văn hóa về phía trước, và với tôi, tôi nghĩ rằng điều quan trọng là nếu bạn lấy một cái gì đó từ quá khứ thì chính là bạn đang kết hợp nó với một cái gì đó hiện tại hoặc tương lai.”

OK và điều này không liên quan, nhưng nó chỉ thú vị vì chúng tôi vừa xem những bức ảnh cũ của Roc-A-Fella và Jay-Z, Dame và Biggs trong văn phòng. Và họ sẽ bắn Jay-Z tại bàn làm việc hoặc trong phòng họp. Và văn phòng bạn vừa thiết kế hoàn toàn trái ngược với điều đó. Nó rất ấm áp và chào đón. Bạn có thể nói một chút về không gian đó?
“Vâng. Điều buồn cười về Jay là anh ấy là một con người cực kỳ thành công. Và anh ấy cực kỳ tham vọng và tiếp tục tham vọng. Nhưng tham vọng của anh ấy không phải là số ít. Tham vọng của anh ấy không chỉ là tài chính. Tham vọng của anh ấy là càng nhiều kiến ​​thức, và theo kiến ​​thức, tôi muốn nói đến mọi thứ, từ học thuật đến trí tuệ cá nhân đến trí tuệ cảm xúc cho môi trường của bạn. Sự tiến hóa của những gì bạn thấy trong hình là dũng cảm, ông trùm thô lỗ này, đối với con người ngày nay. Và anh ấy là một người cố vấn tuyệt vời cho rất nhiều người trong chúng ta. Và anh ấy đã tiến hóa. Không gian này là anh ấy. Tôi thiết kế không gian nhưng tôi thiết kế nó cho anh ấy. Nó rất hấp dẫn. Anh ấy là một người chu đáo và luôn mời gọi nên điều đó rất phù hợp với cách anh ấy điều hành. Anh ấy thực sự tò mò. Anh ấy yêu nghệ thuật và ngày càng quan tâm đến nội thất và đồ đạc, đồng thời anh ấy nhận ra không gian của bạn có thể ảnh hưởng đến trạng thái cảm xúc của bạn như thế nào. Anh ấy là một người tuyệt vời để làm việc theo cách đó.”

Sơ lược về Allinone, đại diện của nhóm chia sẻ:

– “Năm 2014, sau một buổi thăm nuôi của nhóm bạn trẻ vẽ Graffiti tại doanh trại quân đội, nơi Daos thực hiện nghĩa vụ quân  sự, Allinone chính thức ra đời. Đây là nhóm bản trẻ có cùng niềm đam mê Graffiti và đang nghèo. Thay vì đơn lẻ để tồn tại và tìm kiếm phát triển bản thân, bọn mình cùng nhau tạo ra cơ hội với những thế mạnh của từng người. Song song đó, cả team cùng cùng hỗ trợ và giúp đỡ những bạn trẻ khác có cùng đam mê nghệ thuật đường phố.

– Vì mang tên Allinone nên công việc chính của mọi người là Cái gì cũng làm. Mỗi thành viên trong nhóm đại diện cho những công việc khác nhau, cùng tạo nên cái tên Allinone. Có thể kể đến: Graffiti, Hoạt hình, Thiết kế đồ họa, thời trang, Visual mapping, sản xuất âm nhạc”,… 

– Slogan của nhóm là : “Love, Peace and Loyalty”

Một ít thông tin về Pick và dự án hợp tác với Windrunner:

PICK: 25 năm “già đầu” tại Saigon, Pick là con trai của Má Năm và là em của Datmaniac. 

“Trong những năm 2010, mình được dịp tiếp xúc với các phần mềm đồ hoạ, tìm tòi và học hỏi trên các diễn đàn thiết kế. Cùng thời điểm này, anh hai đã cho mình nghe “Wait and Bleed” của Slipknot, nhờ đó mình mới nhận ra được sự tồn tại của các dòng nhạc nặng: metal và hardcore. Vài năm sau đó mình quyết định “ứng cử” vào vị trí vocal của một band post-hardcore, hào hứng khi biết có nhiều anh em cùng sở thích với mình, đây cũng là lần đầu hiểu ra được cụm từ “scene”, và scene cháy nhất vẫn là 2 dòng nhạc kể trên. Lúc bấy giờ bắt đầu có nhiều band được thành lập, nhạc và sự kiện diễn ra nhiều hơn, tiêu biểu nhất được bắt đầu từ Hardcore United năm 2014 với 11 bands từ các tỉnh thành khác nhau. Nhạc của các anh em khuấy động và vực dậy được tinh thần của mình trong mọi hoàn cảnh khó khăn, nó là nguồn năng lượng vô cùng mạnh, mình nghĩ, công việc thiết kế của mình trong suốt những năm qua có thể hỗ trợ ngược lại cho các band, và xem nó như một hình thức tôn trọng những nỗ lực anh em đã mang đến cho cá nhân mình, và Seventy Heptagons đã ra đời cùng với sứ mạng đấy với công việc chính là thiết kế logo, artwork, merchandise và lyric video cho tất cả band nhạc nặng tại Việt Nam” – Pick chia sẻ.

“Năm 2017, mình đặt chân vào ALLINONE ngay sau khi sự kiện SoundSlam kết thúc. Đây là khoảng thời gian mình rèn luyện thêm về các kỹ năng cứng lẫn mềm. Do trước đó trú ẩn khá lâu nên phải mất gần cả năm mới có thể “tái hòa nhập cộng đồng” với các anh em cùng team, thời gian sau đó khi đã quen dần với nhịp sống thì cả team lại phải chuyển sang chế độ “du mục” – chuyển nhà nhiều lần trong năm. Trong thời gian ở DAMN Shop, Pick bắt đầu nghiên cứu về hoạt hình cùng với anh Daos, 2 thầy trò bắt đầu mò mẫm dựng các cảnh phim đầu tiên ngay bên dưới shop, khách khứa, anh em ra vào được xem như những vị khán giả đầu tiên, dù là trong mọi điều kiện hoàn cảnh nào cũng vẫn có thể làm việc được. Nung nấu một ước mơ nhỏ nhoi, 1 năm sau đó, phim ngắn showcase “BOUNCE” và MV “CONSPIRACY” được trình làng trong sự kiện Mê-Ink tại DEME TAPROOM, đây được xem là một bước ngoặt lớn đối với mình cũng như tập thể ALLINONE. Để có thể tự mình phân bổ ra nhiều vị trí, mình đã mang những công thức dựng video từ Seventy Heptagons, phương thức lên ý tưởng, kịch bản và các khâu sản xuất đã nắm được khi mình làm copywriter, ngoài ra mình còn tổng hợp cả những mẹo vặt khi đi làm việc cho các công ty khác, mọi thứ, gom vào trong cùng một sản phẩm để nói lên tất cả bên trong cùng một con người, ALLINONE với mình là thế”.

“Hãy không ngừng tìm tòi, học hỏi, giữ đó và không bỏ lại bất kỳ thứ gì khi mình quyết định tiến thêm một bước xa hơn.” 

CYAN & MAHOGANY:

Lấy bối cảnh hậu tận thế, câu chuyện của WINDRUNNER (@windrunnervn) xoay quanh 5 nhân vật với những lý tưởng và sự lựa chọn đã thay đổi toàn thể nhân loại từ sau thế chiến thứ 3. Thế giới tuy đã hoà bình sau đó, nhưng chiến tranh trong cá nhân từng thành viên vẫn ngấm ngầm, hằng ngày chờ mong được giải phóng.

Bên cạnh chủ đề chiến tranh, thiên nhiên và trẻ em còn được khắc hoạ xen kẽ cùng nhau qua nhân vật cậu bé N4M với hình thù nửa người nửa vịt. Những quyết định từ các thành viên đã dẫn đến sự chia rẽ tập thể, riêng N4M là một câu chuyện về hành trình tiến hoá của con người: trải qua nhiều cuộc chiến tranh, sự đùn đẩy trách nhiệm sau những nghiên cứu thất bại, tất cả đã khiến cậu phải đứng lên và chấm dứt mọi sự như một hành động phản kháng của trái đất lên chúng ta.

Dự án hoạt hình của WINDRUNNER được thực hiện bởi 2 thành viên của ALLINONE: Pick (@p.ic.k) và Caburn (@caaaaaburn), với thời lượng 4 phút hơn, ALLINONE đã dành trọn 3 tháng để hoàn thành tập phim bằng toàn bộ khả năng sáng tạo của mình. Sau CYAN, Caburn đã dành thời gian cho công việc riêng, vẫn giữ tinh thần “all-in-one”, Pick đã tự xoay sở mọi thứ trong 4 tháng giãn cách sau đó để mang lại tập phim tiếp theo – MAHOGANY.

Trong CYAN, biệt đội W1RN lúc bấy giờ chỉ còn N4N, N4M và DAV1D, cả 3 cùng lên đường tiến đến tổng hành dinh C.TADEL, tuy nhiên tập phim không đề cập đến mở đầu hay kết thúc, vì toàn bộ chúng đều được diễn ra trong MAHOGANY. Giữa 2 tập phim có sự khác biệt lớn về đồ hoạ, ở CYAN tập trung nhiều hơn vào các cảnh 3D dưới bàn tay nhào nặn của Caburn, phần hiệu ứng mạnh thể hiện sự độc hại của bầu trời được bao phủ bởi CY4NID3, nhưng ở MAHOGANY, các hiệu ứng đã được giảm đi đáng kể nhằm tập trung nhiều hơn vào tạo hình 2D, xuyên suốt hành trình của WINDRUNNER từ quá khứ đến hiện tại được kể qua 94 phân cảnh với tổng thời lượng 5 phút.

Qua 2 tập phim, Pick, WINDRUNNER và ALLINONE muốn gửi gắm thông điệp đến các nghệ sĩ độc lập, đang ôm trong mình những ước mơ to lớn: hành trình này là cuộc chiến của bản thân với chính mình của trước kia, chứ không phải một người nào đó khác, thay vì dành thời gian so sánh với bất kì ai, hãy dốc hết sự tập trung vào công việc của mình, khi một ý tưởng bừng sáng, ta biết bản thân đã đi được một nửa chặng đường để hiện thực chúng, mang chúng đến với thế giới này, thế nên đừng nghĩ đến việc dừng lại. 

Trên hết, hãy bảo vệ trẻ em và thế giới này, chúng sẽ luôn thay đổi theo thời gian, và đồng thời thời rất dễ vỡ. Luôn chỉ có một hành tinh và một tuổi thơ duy nhất cho chúng ta, hãy giữ gìn chúng khi ta còn có thể.

Lâm hay được biết đến là Lâm Nguy, với tên nghệ danh là idoomythang. Lâm đang là một photographer tự do đã hoạt động với 7 năm kinh nghiệm. Lâm đã có nhiều dự án cá nhân cũng như collab với nhiều người bạn cả trong lẫn ngoài nước.

Trao đổi với V2X, Lâm Nguy chia sẻ: “Nguồn cảm hứng của mình đến từ những thứ xa xôi ngoài kia trên internet và ngay cả những thứ xung quanh ta, nhỏ như những chú kiến hoặc chiếc lá rơi cũng làm mình có cảm hứng để sáng tác. Và bằng cách đó, mình đã đến với nhiếp ảnh và yêu thích nó mỗi ngày, chưa bao giờ mình có ý định chán chụp ảnh vì nó giúp mình lưu lại được từng khoảnh khắc mà chỉ xảy ra 1 lần trong đời. Và mình rất mong rằng sau project cho cộng đồng này mình sẽ có kinh nghiệm để tự sản xuất cho mình những sản phẩm cá nhân về sau, và mình rất mong được ủng hộ và biết đâu sẽ thực hiện được ước mơ là làm triển lãm cho riêng mình hehee”.

Một số các sản phẩm của Lâm Nguy : LINK

“Dự án này Lâm làm hoàn toàn là phi lợi nhuận, mọi số tiền quyên góp được sẽ được chuyển đến 3 quỹ là : We wake up, Long thọ foundation, và quỹ vaccine Việtnam. Dự án với sự tham gia của những người bạn của Lâm muốn giúp một phần công sức của mình để đưa nghệ thuật vào cuộc sống cũng như giúp đỡ mọi người trong lúc khó khăn. Rất mong được các bạn ủng hộ, sách sẽ được ra mắt ngày 15/9” – Lâm nói thêm.

VÌ SAO LẠI LÀ SÁCH ẢNH?

“Ý tưởng đến với Lâm rất đơn giản và tự nhiên. Đó là Lâm muốn làm điều gì đó để giúp đỡ những người gặp khó khăn! Nhưng làm gì đây? Với khả năng có hạn của mình (nơi Lâm đang ở và tình hình kinh tế hiện tại), Lâm không có nhiều lựa chọn để có thể đóng góp to lớn như mong muốn đến với cộng đồng. Lâm hiện không ở Sài Gòn và bản thân Lâm cũng đang không có thu nhập ổn định để liên tục gửi vào các quỹ hiện có. Thế thì tại sao không tận dụng chính khả năng tốt nhất của mình để tạo một quỹ riêng? Đối với Lâm, đó chính là CHỤP ẢNH. Và Lâm quyết định thực hiện bộ sách ảnh này, cùng với sự đồng ý và đóng góp của các bạn người mẫu, những người mong muốn bằng nhiều cách khác nhau, giúp đỡ một phần nào đó cho những hoàn cảnh khó khăn hơn mình. Toàn bộ hình ảnh được Lâm và Điện Thư Lê chụp online qua Zoom trong những ngày giãn cách”.

VÌ SAO LẠI LÀ CHÂN DUNG / HALF NUDE?

“Đối với Lâm, da thịt là phần chân thật nhất của mỗi con người. Nó đồng thời còn là một vẻ đẹp nguyên bản nhất. Một bộ sách ảnh có thể mang nhiều chủ đề khác nhau, nhưng riêng với chân dung và half-nude Lâm tin mình sẽ truyền tải được tinh thần tự do, thoải mái và phóng khoáng đến cho mọi người, khi mà tất cả chúng ta đều đang mắc kẹt trong bốn bức tường. Và còn một điều quan trọng khác, khi nói đến vẻ đẹp, chúng ta sẽ có thể nhìn thấy vẻ đẹp cuộc sống ở khắp nơi, xung quanh chính mình. Chúng ta đã được xem và nhìn ngắm rất nhiều những hình ảnh đẹp đẽ, cảm động của đội y bác sĩ, tình nguyện viên và của những con người hằng ngày vẫn chúng tay giúp đỡ nhau, đó chính là vẻ đẹp của lúc này, đó chính là những hình ảnh mà sẽ không một ai có thể quên. Nhưng đừng quên, “người” gắn bó với chúng ta nhất lúc này chính là bản thân chúng ta nữa. Lâm muốn mượn hình ảnh vẻ đẹp nguyên bản nhất của các bạn model qua chân dung, dáng hình họ để gửi vào đó mong muốn tất cả chúng ta đừng bỏ quên vẻ đẹp của chính mình, vẻ đẹp bên ngoài lẫn vẻ đẹp của một tinh thần lạc quan, mạnh mẽ. Bởi khi bạn mạnh mẽ và mạnh khoẻ nhất với chính bản thân mình, bạn mới có thể đóng góp một phần nào đó để giúp đỡ mọi người xung quanh.

– Đây chắc chắn chỉ là một phần rất nhỏ Lâm và team có thể làm được trong lúc này. Lâm biết rằng cũng có nhiều bạn như Lâm, rất muốn đóng góp gì đó nhưng khả năng lại không cho phép. Đặc biệt đối với những ai làm trong lĩnh vực nghệ thuật, có lẽ đâu đó chúng ta đều lo sợ rằng giữa lúc mọi người đang rối ren và khổ sở, liệu những yếu tố nghệ thuật như thế này có giúp ích gì được hay không, hay chỉ những thứ thực tế, thực tiễn nhất mới là điều họ cần nhất bây giờ. Lâm tin rằng bất cứ hành động nào xuất phát từ tấm lòng lúc này cũng là một cái phao cứu cánh cho bất cứ ai ngoài kia.

Đừng quên rằng, tinh thần, niềm vui, sự lạc quan, tích cực cũng là thứ mà bạn có thể đóng góp và lan toả lúc này, và nghệ thuật chân chính chính là một trong những cách mà những người như chúng ta có thể thực hiện được. Lâm đã học được điều đó trong quá trình thực hiện bộ sách ảnh nảy, khi liên lạc với các bạn người mẫu góp mặt trong sách, tất cả đều đồng ý và rất phấn khởi tham gia sau khi nghe Lâm trình bày ý tưởng. Bởi họ cũng như Lâm, mỗi người một hoàn cảnh, muốn làm gì đó cho xã hội, nhưng không biết bắt đầu từ đâu và bắt đầu như thế nào. Và bạn thấy đấy, đôi khi mọi thứ chỉ bắt đầu đơn giản bằng việc làm tốt những gì trong khả năng của chính bản thân chúng ta.”

SKINFORVACCINE – PRE-ORDER

1. Sách ảnh được thực hiện bởi Lâm và Điện Thu Lê, được bán để gây quỹ hỗ trợ chống dịch COVID. Hiện tại vì tình hình nhà in đang tạm nghỉ, nên Lâm Nguy sẽ mở Pre-Order để gom quỹ và gửi đến những nơi cần thiết trước. Trích một phần để sản xuất in và sẽ shipping đến các bạn khi hoàn thành.

2. Doanh thu và chi phí sản xuất sẽ công khai 100%

3. Số lượng dự kiến: 200 quyển

4. Số tiền sẽ được trích vào các quỹ sau: We Wake Up foundation, Long Thọ Foundation và quỹ Vaccine Việt Nam

PRE-ORDER NOW : Truy cập ngay linktr.ee/idoomythang.

Music Video “AZTEC GLUE” là phát hành tiếp theo của Rắn Cạp Đuôi, đã được ra mắt trên trang Youtube của Subtext Recordings hôm nay.

Là track thứ 6 trong album “Ngủ Ngày Ngay Ngày Tận Thế”, “AZTEC GLUE” được xây dựng hình ảnh bởi bộ tứ Tôn Tôn Bo, Gelo, Hachul và Bored Kid, MV sẽ mang đến một trải nghiệm riêng biệt và đảm bảo độ “dính” như cái tên.

V2X đã có cuộc trò chuyện ngắn cùng Tôn Tôn Bo – đạo diễn của MV “AZTEC GLUE” cũng như hai MV trước đó của Wean là “Lavie” và “I Don’t Know”- để mang đến góc nhìn rõ hơn về sản phẩm lần này của Rắn Cạp Đuôi.

Hello Bo, bạn có thể giới thiệu đôi nét về bản thân cũng như các thành viên trong team được không? 

Mình tên là Tôn Tôn Bo, hiện đang học Interactive Design tại trường Văn Lang. Mình còn rất thích âm nhạc, lúc trước mình làm thợ chụp ảnh, với vẽ tranh. Trong dự án này, mình đóng vai trò là đạo diễn, bên cạnh đó trong team còn Gelo, Hachul và Bored Kid. 

Gelo là bạn editor của team, những effects visual trong MV chủ yếu do bạn sáng tạo ra. Gelo là người Phi gốc Úc, bạn cũng đã có nhiều năm kinh nghiệm trong nghề. @gelurrr

Hachul thì làm 3D, bạn rất giỏi trong tạo hình modeling. Một số sản phẩm của bạn ấy có thể tìm được ở các brand như Vaegabond hay Aeie. @hachulsgallery

Còn Bored Kid là một bạn làm animator ở Mỹ, bạn rất giỏi nhưng mà lowkey, style thì phải gọi là cụ tại vì bạn đó rất unique trong cách tự tạo hình nhân vật xây  dựng cốt truyện của. MV lần này nếu thành công sẽ do bạn này là x factor, với Hachul nữa, công lao rất lớn nhờ hai bạn. @very_bored_kid

MV này được bắt đầu thực hiện giữa bạn và Rắn Cạp Đuôi ra sao?

Mình là bạn của Zach, sau album thì Zach bảo mình làm MV cho “Aztec Glue” nên mình làm luôn. “Aztec Glue” là cũng là bài mình thích nhất trong album.

“Aztec Glue” là một bài nhạc không lời, hơn nữa lại là nhạc thể nghiệm. Bằng cách nào mà bạn xây dựng được ý tưởng để thực hiện phần hình ảnh cho MV nhỉ?

Ý tưởng mình đều dựa trên nhạc, luôn luôn, cộng thêm với một chút cảm xúc cá nhân thôi. Mình đã nghe bài trước đó khá là lâu rồi, nên cũng có thời gian ngẫm nghĩ và xây dựng ý tưởng, được cái vì là bạn nên Zach cũng cho mình thoải mái kịch bản, không bị gò bó.

Bạn có thể đi chi tiết hơn vào ý tưởng đó được không?

Ý tưởng của mình được lấy từ tên nhóm luôn, Rắn Cạp Đuôi là một vòng lặp mà. Mình rất thích những vòng lặp kiểu vậy, sinh ra rồi chết đi rồi lại sinh ra. Trong MV thì diễn giải rõ ba giai đoạn, là sinh ra phát triển, rồi đấu tranh, cuối cùng là kết thúc… thì dựa trên đó cộng với sở thích cá nhân của mình và cảm hứng từ những bạn làm hình ảnh trong team. Cũng rất may khi bài nhạc cũng được chia ra làm 3 giai đoạn.

Bạn có kỳ vọng gì về sản phẩm lần này? Và nếu có thể, bạn chia sẻ cho V2X thêm về những dự án trong tương lai được không?

MV lần này, tụi mình hy vọng đã tạo được một sản phẩm mãn nhãn người xem, giúp họ tiếp cận âm nhạc đã tai hơn. Bên cạnh đó thì các dự án trong tương lai, mình vẫn chưa bật mí được haha.

Và bây giờ, cùng V2X xem MV Aztec Glue nhé.

Những ngày vừa rồi, British Vogue đã chia sẻ bài báo của trên trang chính thức của mình với vai trò là partnership của Gucci Beauty và cũng là đối tác thứ ba đồng sáng lập dự án bộ ảnh tôn vinh, tri ân đến các bà mẹ và lời chúc tự chăm sóc bản thân được thực hiện bới Nhiếp ảnh gia/ Art Director Như Xuân Hứa kết hợp với Gucci Beauty. Và có một sự thú vị khiến V2X cảm thấy tò mò hơn về sự hợp tác này là: Có phải vụ việc “đạo nhái” 5 tháng trước chính là cơ duyên để Như Xuân Hứa và Gucci Beauty gặp được nhau và dẫn đến collaboration lần này? Nhưng hãy tạm bỏ qua việc đó vì món chính của chúng ta sẽ đậm đà hơn việc đó rất nhiều, dù quen biết nhau như thế nào, hay xuất phát điểm từ đâu thì họ đã thật sự đã tạo ra ấn tượng mạnh khi cộng tác cùng nhau và tạo ra thông điệp cũng như sức lan toả rất xuất sắc cho campaign lần này.

Vogue viết rằng: “Tôn vinh sự đa dạng và vẻ đẹp bên trong là triết lý thúc đẩy Gucci Beauty từ trước đến nay, và bộ sưu tập son môi Rouge de Beauté Brillant mới nhất của giám đốc sáng tạo Alessandro Michele là sự tiếp nối sứ mệnh của ông trong việc trao quyền cho các cá nhân thể hiện bản thân. Lấy cảm hứng từ chiến dịch “Breakfast in Bed” (Bữa sáng trên giường) ra mắt vào tháng 4 năm nay, sự hợp tác mới nhất của Gucci Beauty với nhiếp ảnh gia Như Xuân Hứa kết hợp một nét thẩm mỹ tinh tế và quyến rũ khác với thông điệp cảm động về việc chăm sóc bản thân.”

“Khi nghĩ đến”Bữa sáng trên giường” và các sản phẩm làm đẹp, tôi nghĩ đến mẹ của mình”, Như Xuân tiết lộ. “Bà ấy đã thoát khỏi một cuộc chiến và không bao giờ được hỏi về ước mơ của mình. Bà đã là một nhân viên phục vụ, một nhân viên thu ngân, một nữ canteen – và một người mẹ dành hết bản thân cho con cái. Bà ấy chưa bao giờ ăn sáng trên giường, nhưng thứ bà dành tặng cho bản thân là các loại mỹ phẩm”.

Bằng cách tự mình ghi lại hình ảnh những thế hệ phụ nữ khác nhau trong những khoảnh khắc thanh bình, độc đáo, Như Xuân gửi lời tri ân đến tất cả những người mẹ, nhắc nhở chúng ta rằng mọi người đều xứng đáng được cảm thấy xinh đẹp. Từng nhân vật trong bộ ảnh – tiểu thuyết gia người Pháp gốc Việt Line Papin; Nhà văn và podcaster người Campuchia gốc Hoa Grace Ly; và nghệ sĩ đa diện người Pháp gốc Á Thérèse, mang trong mình một nửa dòng máu Trung Quốc, một phần tư Lào và một phần tư Việt Nam – mặc cùng một chiếc áo khoác, nâng cao ý niệm về lòng biết ơn và giá trị truyền lại của các đồ vật.

Thérèse ( một trong các nhân vật trong bộ ảnh) chia sẻ: “Tôi đã cảm thấy sự kết nối ngay lập tức và rất mãnh liệt với câu chuyện của Như Xuân, tôi suy nghĩ về mẹ tôi, bà là một người tị nạn”. “Mẹ từng nói rằng mọi thứ chúng tôi đặt bên trong đều phản ánh ra bên ngoài và ngược lại, và đó có thể là lý do tại sao tôi bị mê hoặc bởi mỹ phẩm của bà”.

Thật vậy, sức mạnh biến đổi của trang điểm và việc tạo ra sự hài hòa giữa vẻ đẹp bên trong và bên ngoài của một người là trọng tâm của mỗi sản phẩm Gucci Beauty.

Sống chậm lại và dành cho bản thân không gian để thực hiện những hành động yêu chính mình nho nhỏ giống như một tình cảm tốt đẹp sau một năm đầy biến động. Dù là bạn muốn nâng cao diện mạo “work from home” của mình, hay cần một chút thời gian để đối xử tốt với bản thân, Gucci Beauty đều đáp ứng được thời điểm này. Suy cho cùng, chúng ta chỉ có thể quan tâm đến người khác khi chúng ta biết cách quan tâm đến chính mình.

Đó là những thông điệp có thể tất cả các nhà mốt và thương hiệu làm đẹp đều hướng đến, nhưng qua lăng kính và góc nhìn của Như Xuân Hứa đã khiến nó gần gũi và sống động hơn rất nhiều. Thú vị là như điều mà V2X nhắc đến ở đầu bài viết, dù là ban đầu cách Như Xuân và Gucci Beauty đã “đến với nhau” như thế nào thì chúng ta đều có thể thấy : không có điều gì có thể ngăn được giới hạn của nghệ thuật và những thông điệp tích cực mà nghệ thuật truyền tải cũng như kết nối những người yêu nó. Bạn nghĩ sao về dự án hợp tác này?

Ghé ngang Instagram của Hậu Lê và vô tình bắt gặp bộ ảnh “Tổ” mới nhất của anh, V2X nghĩ đây là cơ hội tốt để giới thiệu Hậu với khán giả của V2X.

Hậu Lê là ai?
Hậu Lê sinh năm 1993 tại Cam Ranh, Khánh Hoà. Anh đã theo đuổi nhiếp ảnh được 6 năm từ việc bắt đầu chụp ảnh đường phố và có cơ hội tiếp xúc chụp thời trang từ năm 2016.
Hậu Lê theo đuổi phong cách nhiếp ảnh chân dung không hoàn hảo, anh chia sẻ “Mình thích những gì nhiếp ảnh mang lại qua từng góc nhìn sát và luôn có nhiều màu sắc”.
Nguồn cảm hứng của Hậu Lê chủ yếu xuất phát từ bản thân và từ những gì anh gặp hằng ngày và những gì anh đi qua cũng như việc ăn gì, gặp ai và nói chuyện như thế nào đều có thể giúp Hậu tìm ra được những nguồn cảm hứng từ đó.
Nói về phong cách của mình, Hậu Lê nói rằng các dự án của anh hiện tại được thực hiện với mong muốn có thể lột tả cơ thể phụ nữ với góc nhìn của cá nhân cũng như luôn tìm và biến các khuyết điểm của phụ nữ để trở nên đẹp nhất.

Về dự án Tổ, ý tưởng ban đầu lấy từ đâu?
Ý tưởng về dự án “Tổ” xuất phát từ việc những ngày ở nhà trong chuỗi ngày giãn cách xã hội tại Tp.HCM.
“Tổ” là danh từ được gọi là nhà của loài chim nói riêng hay các loại động vật nói chung. Theo Hậu Lê : Không chỉ dành cho động vật, “tổ” cũng là cách nói để anh định nghĩa về “nhà” – là nơi ở của chúng ta. “Mọi người cũng như mọi loài vật cũng đều phải có nhà cho riêng mình”. Đó là tổ ấm nơi ta sinh sống, làm việc, là nơi an toàn tuyệt đối với ta và cũng là giá trị về lẫn vật chất hay tinh thần thuộc về ta. Thông điệp qua “Tổ” mình muốn mang đến rất đơn giản “Mọi người trong chúng ta, ai cũng đều cần có nhà để trở về”.

Từ ý tưởng đến thành quả sau buổi chụp:

Quá trình thực hiện được chuẩn bị trong 1 tuần, Hậu Lê và những người bạn trong ngành đã hỗ trợ và giúp anh hiện thực hoá ý tưởng của mình.

Hậu cũng nói thêm: “Mình khá thoải mái để mọi người trong ekip mình có thể tự do sáng tạo nhất theo câu chuyện của mình”. Điều này cho V2X thấy là Hậu Lê là một người rất coi trọng giá trị của chất xám – cách anh xây dựng một ý tưởng khung sườn và để cho đội ngũ của mình cùng nhau sáng tạo và hoàn thiện ý tưởng đã thể hiện rõ điều đó – và chính điều này đã khiến tính nghệ thuật của “Tổ” được hội tụ đầy đặn, trọn vẹn hơn.

“Một trong những khó khăn nhất lúc thực hiện chính là mình chụp ảnh bằng film và mình không hề biết trước ảnh của mình sẽ ra sao. Mình nghĩ đây là 1 điều rất rủi ro và cũng thú vị vì mình sẽ chuyên tâm thực hiện hơn và hiệu quả sẽ tốt hơn khi phải cùng chờ đợi sau 6 tiếng để có thể tráng film xong và xem kết quả.

Nhưng đâu đó trong lúc thực hiện lại có khá nhiều rủi ro, mình phải thay đổi lại tất cả địa điểm chụp vì vấn đề dịch bệnh nên mình đã phải thay đổi studio khác và dĩ nhiên sẽ không như mình tính toán ban đầu” – những trở ngại Hậu Lê bày tỏ đã gặp phải khi thực hiện dự án trong thời điểm cũng khá là nhạy cảm như hiện nay.

Kế hoạch sắp tới của Hậu Lê:

“Plan trong năm nay của mình huớng đến các dự án về tuổi thơ của bản thân mình từng trải qua hi vọng mình có thể thực hiện được hết các dự án trong năm nay sau khi hết dịch”

Kết:

Chia sẻ cuối cùng về “Tổ”, Hậu Lê đã dành để shout out cho những người bạn đã đồng hành cùng anh trong dự án này như một lời cảm ơn:

• Khanh là người mẫu chính trong dự án lần này phải chịu rực rất nhiều vì phải ngồi rất lâu để làm tóc và make up.

• Stylist Tigre Bia đã giúp mình thực hiện các trang phục rất đẹp

• Make up and Hair Xi Quan Le đã giúp mình thực hiện nên những bộ tóc rât hoành tráng

• Nail Quinada đã làm giúp mình các bộ móng

Sau những trao đổi với Hậu Lê dù khá ngắn nhưng hình như V2X cảm thấy có một sự tương phản thú vị giữa các phẩm và tính cách của Hậu. Có thể sự tương phản này sẽ chính là một trong những yếu tố để V2X càng thích và cảm thấy đặc biệt hơn khi thưởng thức “Tổ” cũng như các tác phẩm khác của Hậu Lê. Các bạn có cùng suy nghĩ với V2X không?